Ella Fitzgerald

Ella Fitzgerald

Ella Fitzgerald était une chanteuse de jazz afro-américaine. Fitzgerald a reçu 13 Grammy Awards, la National Medal of Art et la Presidential Medal of Freedom.DébutsElla Jane Fitzgerald est née le 17 avril 1917 à Newport News, en Virginie. Ella et sa mère ont déménagé à Yonkers, New York, où elles ont finalement emménagé avec le petit ami de sa mère, Joseph Da Silva. Peu de temps après, Joe mourut d'une crise cardiaque, puis Frances fut également recueillie par tante Virginia.Ella fit ses débuts dans la chanson en novembre 1934, alors qu'elle avait presque 16 ans. Ella a été remarquée par un membre du groupe de Chick Webb, qui a persuadé Webb d'embaucher Ella.Du bourgeon à la floraisonEn 1935, Ella commence à chanter avec l'orchestre de Webb au Harlem's Savoy Ballroom. Elle a enregistré plusieurs hits avec eux, notamment; "(If You Can`t Sing It), You`ll Have to Swing It" et "Love and Kisses", qui était son premier enregistrement. En 1938, à l'âge de 21 ans, Ella a enregistré une version ludique de la comptine, "A-Tisket, A-Tasket". Un million d'exemplaires plus tard, la chanson atteint le numéro un et reste dans les charts pop pendant 17 semaines. Ella est soudainement devenue célèbre. Le 16 juin 1939, Chick Webb est décédé, ce qui a laissé Ella en tant que chef d'orchestre. Le groupe a été rebaptisé « Ella Fitzgerald et son célèbre groupe ».MariagesEn 1941, Fitzgerald épousa Benny Kornegay. Cependant, après avoir découvert qu'il avait un casier judiciaire, elle a rapidement fait annuler le mariage. Lorsque Fitzgerald était en tournée avec le groupe de Dizzy Gillespie en 1946, elle a rencontré et est tombée amoureuse de Ray Brown. Le couple s'est marié en 1947 et ils ont finalement adopté un enfant né de la demi-soeur d'Ella, qu'ils ont baptisé Ray Brown Jr.

AlliancesÀ l'époque, son nouveau mari travaillait pour le producteur et directeur, Norman Granz, sur le Jazz à la Philharmonie visiter. Granz a persuadé Fitzgerald de signer avec lui ; c'était le début d'une relation d'affaires et d'une amitié de longue date. Fitzgerald a rejoint le Philharmonique tournée. Fitzgerald a travaillé avec Louis "Satchmo" Armstrong sur plusieurs projets. De 1956 à 1964, elle enregistre des reprises* de la musique d'autres artistes, dont Cole Porter, Irving Berlin, Rodgers and Hart et les Gershwin. Une collection de ces airs était connue sous le nom de Le grand recueil de chansons américain.Le petit écranFitzgerald a commencé à apparaître dans des émissions de variétés à la télévision. Elle était l'invitée du Spectacle de Bing Crosby, Spectacle de Frank Sinatra, et Spectacle de ce soir, pour n'en nommer que quelques-uns. Avec un programme de tournées aussi chargé, Ella et Ray étaient loin de chez eux la plupart du temps, ce qui a mis à rude épreuve leur relation avec leur fils. Finalement, Ella et Ray Jr. ont réussi à réparer leur relation. Cependant, les horaires chargés ont également mis à rude épreuve le mariage du couple et ils ont divorcé en 1958. Cependant, ils sont restés amis pour le reste de leur vie.Des années plus tardFitzgerald a continué à travailler aussi dur qu'elle l'avait fait au début de sa carrière, malgré les effets néfastes sur sa santé. Elle se produisait parfois dans deux spectacles par jour, dans des villes distantes de plusieurs centaines de kilomètres. En 1974, elle passe deux semaines à jouer à New York avec Frank Sinatra et Count Basie. En 1979, Fitzgerald est intronisé au Temps bas le magazine Hall of Fame, et elle a également reçu le Kennedy Center Honors pour sa contribution continue aux arts. En septembre 1986, Fitzgerald a subi un quintuple pontage coronarien. Elle a également été diagnostiquée avec le diabète, qui était à blâmer pour sa vue défaillante. Cependant, elle est revenue sur scène et a continué à travailler selon un horaire exhaustif. Dans les années 1990, Fitzgerald avait enregistré plus de 200 chansons, et en 1991, elle a donné son dernier concert au Carnegie Hall de New York. Elle y avait joué 26 fois. Avec l'aggravation de son diabète, Fitzgerald a connu de graves problèmes circulatoires et a dû être amputé des deux jambes sous les genoux. Elle ne s'est jamais complètement remise de l'opération et a rarement été en mesure d'effectuer. Elle a passé du temps dans sa cour avec Ray Jr. et sa petite-fille.Une voix est réduite au silenceLe 15 juin 1996, Ella Fitzgerald est décédée dans sa maison de Beverly Hills. Ses restes ont été enterrés dans le mausolée de Sunset Mission au cimetière d'Inglewood Park à Inglewood, en Californie. Fitzgerald avait reçu de nombreux prix. En 1987, le président Ronald Reagan lui a décerné la National Medal of Arts. C'était l'un de ses moments les plus précieux. La France a emboîté le pas plusieurs années plus tard, en lui remettant leur prix de Commandeur des arts et des lettres, tandis que Yale, Dartmouth et plusieurs autres universités ont décerné des doctorats honorifiques.


*Couvrir signifie que quelqu'un d'autre a déjà enregistré la chanson, et Fitzgerald a enregistré la même chanson avec sa propre voix et son propre style.


Ella Fitzgerald - Histoire

Ella Fitzgerald a été la première personne noire à remporter un Grammy

Bien qu'elle ait vécu à une époque où la musique en Amérique était divisée en deux catégories : la musique populaire et la musique de course, la chanteuse emblématique, Ella Fitzgerald, a quand même réussi à devenir la première artiste noire à remporter un Grammy.

Fitzgerald est né le 25 avril 1917 en Virginie. En raison de la forte ségrégation raciale du Sud, sa famille a déménagé à Yonkers, New York. Dès son plus jeune âge, elle a dû faire face à des situations très difficiles. Sa mère est décédée dans un accident de voiture et son beau-père était violent. Elle-même a commencé à sécher l'école et à se produire au coin des rues de Harlem pour de l'argent.

À l'adolescence cependant, elle était très douée dans les arts de la scène. Elle a chanté pour ses camarades de classe et les membres de sa famille, et a même eu l'occasion de se produire avec la chorale de son église où elle dit qu'elle a vraiment reçu une formation pour sa voix et son style. En 1934, à l'âge de 17 ans, Fitzgerald se produit au célèbre Apollo Theatre de New York et remporte le prix de 25 $ pour Amateur Night. Malheureusement, en raison de son apparence et de sa tenue vestimentaires médiocres, ils ne lui ont pas donné la possibilité d'être réservée pour une semaine à l'Apollo, qui était censé faire partie du prix gagnant.

Ceci, cependant, ne l'a pas arrêtée et elle a commencé à jouer des concerts dans la ville de New York. En 1938, elle co-écrit la chanson à succès "A-Tisket, A-Tasket", qui la conduira finalement à une renommée nationale. Elle a ensuite été signée chez Decca Recordings et plus tard chez Verve Records.

En 1958, plus de 20 ans après sa première représentation à l'Apollo Theater, Ellla Fitzgerald devient la première Afro-américaine à remporter un Grammy. En fait, elle a remporté deux Grammy Awards ce soir-là pour la meilleure performance jazz, la soliste pour “Ella Fitzgerald Sings the Duke Ellington Songbook” et la meilleure performance vocale pop féminine pour “Ella Fitzgerald Sings the Irving Berlin Songbook”.

Au cours de sa carrière, elle a remporté un total de 14 Grammy Awards et a même reçu le Lifetime Achievement Award en 1967. Malheureusement, elle est décédée le 15 juin 1996 à l'âge de 79 ans, mais sa légende vit à travers sa musique.


Petite enfance et famille

Ella Jane Fitzgerald est née le 25 avril 1917 à Newport News (Virginie, USA). Ella a grandi dans la pauvreté – son père a quitté la famille et sa mère est décédée prématurément dans un accident. À l'école, l'orpheline afro-américaine chantait volontiers, aimait danser, mais il lui était difficile de réaliser ses talents naturels à cause de sa timidité innée. En fait, Fitzgerald a préféré rêver d'une carrière de danseuse professionnelle, mais en 1932, sa vie familiale a implosé avec la mort de sa mère et les mauvais traitements infligés par son beau-père (Shadwick, 2007).

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Il convient de noter que la famille d'Ella a adhéré aux principes du méthodisme et a souvent assisté aux services religieux et dominicaux. La petite Ella étudiait la Bible depuis son enfance et aimait les hymnes. Comme de nombreux chanteurs noirs de cette époque, la jeune fille a développé son brillant talent musical en chantant des spirituals et des gospels.

Malgré la pauvreté de la famille, Ella est devenue une enfant résiliente et de bonne humeur. Comme tous les enfants afro-américains de ses quartiers, elle aimait la danse, le cinéma, la musique et même le sport. À la mort de sa mère, Ella a déménagé chez sa tante à Harlem. La fille a abandonné l'école et a disparu dans les rues. Le soir, Ella Fitzgerald gagnait de l'argent en dansant dans des clubs. Cela a continué pendant deux ans, et en 1934, la pauvre fille a quitté la maison.

Le début de carrière

En 1934, Ella est venue à New York et a enregistré sur un concours amateur. Sa performance au célèbre théâtre de Harlem “Apollo” était vraiment inégalée, et les critiques musicaux ont confirmé que c'était un succès retentissant. Ella a interprété deux chansons d'une voix si forte que le public abasourdi a éclaté en applaudissements. Lors de sa prestation, elle était accompagnée par l'orchestre de Benny Carter. Bientôt, Ella Fitzgerald a participé à d'autres compétitions et a de nouveau gagné. En récompense, elle s'est produite avec l'orchestre du spectacle Tiny Brad tout au long de la semaine. C'est lors de ce concours où elle a attiré l'attention du chef du groupe de swing jazz Chick Webb, qui a proposé à la jeune fille de devenir soliste de son ensemble. C'est devenu le début de son long voyage sur scène.

En 1942, Fitzgerald quitte le groupe pour poursuivre une carrière solo. En signant un contrat d'enregistrement avec Decca, elle avait écrit plusieurs succès populaires avec des artistes tels que Ink Spots, Louis Jordan et les Delta Rhythm Boys. Lors de l'apparition d'Ella à l'horizon du jazz, la tendance musicale principale était le swing avec sa ligne mélodique claire. Lorsque progressivement il a été remplacé par le bebop plus effronté, c'est Ella Fitzgerald qui a introduit les nouvelles formes d'improvisation vocale jazz. Elle s'est même appelée « un autre instrument de l'orchestre ».

La carrière artistique d'Ella Fitzgerald

Essayant de trouver sa propre voie dans le jazz, Ella Fitzgerald s'est lancée tête baissée dans la recherche créative. À cette époque, elle n'était pas considérée comme une chanteuse de jazz, mais Fitzgerald était la pop star promue et célèbre. Son chemin vers le jazz a été assez difficile et chronophage. Pouvant simuler le chant de Louis Armstrong pendant les premières années, elle ne ressentait toujours pas le goût du jazz. L'envie de chanter du jazz lui est venue bien plus tard. Il convient de souligner que les communications fréquentes avec Armstrong, Basie, Ellington et les jeunes qui, comme Ella, cherchaient des voies nouvelles et créatives ont eu une influence décisive sur son développement artistique.

Au milieu des années quarante, Fitzgerald est devenue totalement une autre chanteuse qu'elle ne souhaitait plus chanter la chanson de quelqu'un d'autre, ni imiter les improvisations des autres. Ella se sentait prête à s'improviser, et elle avait quelque chose à dire au public. A la fin de la guerre, commence l'ère du bebop. Bientôt, le monde a découvert une nouvelle star du jazz. Ella avec son chant a brouillé les frontières entre l'instrument et la voix, elle a pu créer des improvisations vocales sur la syllabe (scat). Ella Fitzgerald a perfectionné cette technique magistrale. L'apogée de sa carrière se situe dans les années soixante. Norman Granz est devenu le manager de Fitzgerald et sa ferme guide. Il l'a aidée à créer le label personnel – Verve Records, qui est devenu la clé de sa vie. En 1952, sort l'album solo qui a apporté une renommée sans précédent au chanteur. Cet album a été suivi de la sortie de plusieurs autres. Fitzgerald a commencé à se produire non seulement aux États-Unis, mais a également effectué des tournées dans de nombreux pays. Elle a remporté tous les grands prix de chant de jazz avec une telle répétition que le seul véritable intérêt pour la division des chanteuses de tout sondage de jazz réside dans celui qui finira deuxième (Robinson, 1961).

Fitzgerald avait un sens impeccable du rythme et de l'intonation. Sa sensibilité à l'harmonie est tout simplement époustouflante. L'un des plus grands projets non réalisés dans la carrière d'Ella Fitzgerald a été la collaboration avec Frank Sinatra. Ils n'ont pas enregistré un seul studio commun ou album live. Cependant, Sinatra et Fitzgerald sont apparus ensemble dans diverses émissions de télévision. Aujourd'hui, en tant qu'icône du showbiz, elle était l'une des artistes invitées par Frank Sinatra à participer au gala inaugural du président John F Kennedy en 1961 (Shadwick, 2007).

Le plus fructueux pour Fitzgerald a été la collaboration avec des musiciens tels que Bill Kenny et son groupe vocal The Ink Spots, Louis Armstrong, le guitariste Joe Pass, Count Basie et Duke Ellington. Sans aucun doute, Ella Fitzgerald a influencé toutes les générations suivantes de musiciens de jazz, et il est impossible de surestimer la monumentalité de son héritage artistique. Ses célèbres « Dream a Little Dream of Me », « Summertime », « Mack The Knife », « Black Coffee », « Sunshine of Your Love », « Cry Me a River », « Someone to Watch Over Me » sont les favoris chansons des amateurs de jazz du monde entier.

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Ceux qui ont eu la chance d'assister à une représentation en direct du jeune Fitzgerald ont rappelé comment cette fille timide s'est soudainement épanouie sur scène, comment ses yeux ont commencé à briller et sa voix a captivé la salle note par note. La force de sa voix a impressionné tout le monde – le public concerné a raconté par la suite que même les verres de cristal éclataient lors de ses performances en direct. La voix d'Ella Fitzgerald a été décrite comme sonnant plus comme un instrument que n'importe quelle autre souris de ce siècle (Nagueyalty, 2001).

Au fil du temps, le chanteur est devenu un génie du “scat” – une technique spéciale dans laquelle la personne imite le son de l'instrument. Par exemple, elle l'a fait dans la chanson "Lemon Drop" - la voix de Fitzgerald était "en concurrence" et "parlait" sur un pied d'égalité avec les autres instruments de l'orchestre.

Dernières années de vie

La voix du chanteur s'est détériorée au milieu des années soixante-dix. Elle cesse presque complètement de se produire et d'enregistrer à partir de 1991. En 1993, elle donne un dernier concert à San Francisco. Ella Fitzgerald était très malade dans ses dernières années. Les médecins ont amputé les deux jambes à cause de son diabète. Elle a passé les dernières années de sa vie à Beverly Hills dans son domaine. À la mi-juin 1996, le chanteur est décédé.

Vie privée

Ella Fitzgerald Ella s'est mariée pour la première fois en 1941 avec Benny Carnegie. Deux ans plus tard, le mariage est rompu. La deuxième fois, elle s'est mariée en 1947. Cette fois, un musicien chanteur-bassiste Ray Brown est devenu son mari. Ils ont vécu ensemble jusqu'en 1953, mais la vie de famille a entravé sa carrière, et c'est la raison de leur divorce. Malgré la rupture des liens familiaux entre Ella et Ray, leur collaboration musicale ne s'est pas arrêtée. De plus, le neveu d'Ella adopté par le couple a lié les ex-conjoints. Quand le garçon a grandi, il a décidé, comme ses parents adoptifs, d'associer sa vie à la musique.

En 1957, la presse a écrit sur le mariage présumé d'Ella Fitzgerald et Thor Larsen. Cette information est restée au niveau des rumeurs, car Larsen s'est avéré être l'escroc. Après sa mort, il est devenu évident que Fitzgerald gardait sa vie privée très secrète. Elle a évité les interviews et les questions personnelles, ne laissant que sa voix et la musique parler pour elle (Nagueyalty, 2001).

Ella Fitzgerald et le jazz

Pendant des décennies, les autorités ont essayé d'interdire le jazz, de le réduire au silence et de l'ignorer, mais le pouvoir de la musique était plus fort que tous les dogmes. Au XXIe siècle, le jazz a atteint l'un des sommets de son développement et n'entend pas ralentir le rythme. Le jazz est bien plus que simplement la musique - il incarne également un look, une sensation et une humeur (Margena, 2014).

Les principales caractéristiques du jazz sont l'improvisation et la liberté de rythme, ainsi que les mélodies à respiration libre. Les musiciens de jazz doivent être capables d'improviser collectivement ou de se produire en solo sur fond d'accompagnement. Les musiciens de jazz croyaient que si le cœur frémit et s'arrête lorsque les doigts fugitifs, les rythmes du piano sont entendus quelque part dans les profondeurs d'une scène, et que la lueur du saxophone des rayons des projecteurs est visible dans les yeux, si une soirée passée dans une atmosphère détendue et une atmosphère amusante est ce que la personne recherche, alors le jazz est la musique dont elle a besoin.

Le jazz est issu d'un mélange de cultures musicales européennes et africaines apparues après la découverte de l'Amérique par les Européens. La culture africaine face aux esclaves noirs a été transportée de la côte ouest de l'Afrique vers l'Amérique. Il a introduit l'improvisation, le plastique et le rythme dans le jazz, tandis que les Européens ont apporté la mélodie et l'harmonie des sons ainsi que les standards mineurs et majeurs.

Ella Fitzgerald n'a reçu aucune formation musicale, elle n'a jamais assisté à des cours de chant et n'a pas eu besoin de s'échauffer avant les représentations. Elle avait une mezzo-soprano, mais elle pouvait chanter aussi bien au-dessus qu'en dessous. La gamme de sa voix était de trois octaves, de ré bémol d'octave mineure à ré bémol de troisième octave. Sur le plan technique, elle avait un sens rythmique impeccable et sophistiqué, une intonation sans faille et une sensibilité harmonique extraordinaire (Nagueyalty, 2001).

Les critiques musicaux ont convenu que contrairement à de nombreux autres chanteurs célèbres, Ella Fitzgerald possédait une voix vraiment unique et précieuse, dont le son pourrait être qualifié de plus beau et de plus parfait parmi ceux jamais entendus. Fitzgerald avait une plus grande gamme de voix que la plupart des chanteurs d'opéra. Beaucoup d'entre eux, dont Dietrich Fischer-Dieskau, étaient des fans de son travail. Ella Fitzgerald vivait littéralement de mélodie, elle prenait chaque note sans effort ni difficulté.

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Selon Fitzgerald, il n'était pas facile de parler devant de grandes foules. Elle était très modeste et timide, elle n'a pas entretenu de relation même avec les musiciens avec lesquels elle a travaillé avec succès, ne les rencontrant que lors d'enregistrements et de concerts.

Ella Fitzgerald a activement aidé des organisations caritatives telles que l'American Heart Association et le National Medical Center “City of Hope”. En 1993, elle a fondé la fondation caritative qui porte son nom, qui s'occupe d'éducation, d'aide aux jeunes musiciens, ainsi que de recherche sur le diabète et les soins aux patients. De plus, le Fonds est impliqué dans de nombreuses campagnes dont l'une s'intitule A Book Just for Me! Il fournit chaque année plus de cent mille livres neufs aux enfants de familles à faible revenu. Ces faits, associés à sa simplicité classique et à sa véritable humilité, ont fait de Fitzgerald une artiste unique en son genre, une véritable légende de son temps (Nagueyalty, 2001).

Ella Fitzgerald chantait en musique. Elle semblait tout oublier, devenant juste un caillot de jazz. Elle seule pouvait facilement improviser avec la voix et le texte, flottait librement dans la musique, pouvait facilement changer de voix et orner constamment les mélodies déjà connues.

En conclusion, il faut noter que la voix d'Emma Fitzgerald est considérée comme la plus élégante de l'histoire du Jazz. Ella Fitzgerald était une chanteuse de scat inégalée qui avait une élocution parfaite. Les gens ont toujours compris ce qu'elle chantait, chaque mot et chaque son. Le seul inconvénient de Jazz Queen (cependant, un peu curieux) était qu'Ella était très joyeuse et ne pouvait pas chanter trop lyriquement. Même dans la composition "Love for Sale", elle avait l'air amusante et heureuse. Quoi qu'il en soit, lorsque les critiques évaluent sa carrière dans son ensemble, ils arrivent à la conclusion qu'Ella Fitzgerald était la plus grande chanteuse de jazz.


L'histoire d'Ella et Louis, 60 ans plus tard

Dix-neuf cinquante-six a été une année déterminante pour la musique populaire américaine. Les fondements du rock and roll se sont solidifiés lorsqu'Elvis Presley, nouvellement signé chez RCA Victor, a sorti son premier album éponyme. Le groupe rockabilly plus dur Johnny Burnette et le Rock and Roll Trio ont fait de même. Les sorties jazz de l'année étaient tout aussi emblématiques : "Chet Baker Sings" a contribué à créer un son plus doux sur la côte ouest, et le Miles Davis Quintet a finalement trouvé quatre albums complets d'une valeur de hard bop enregistrés en seulement deux sessions d'une journée. Il y avait de la magie dans tous les coins de l'expression musicale - Glenn Gould, Sonny Rollins, The Jazz Messengers, Fats Domino - mais un album, sorti en octobre de la même année, était sa propre révolution tranquille.

La couverture de l'album est une photo de deux Noirs d'âge moyen, assis sur des chaises pliantes. La femme est dans la trentaine, l'homme dans la cinquantaine. Elle porte une robe de chambre unie et une expression ironique les chaussettes blanches de l'homme sont roulées aux chevilles. Une trompette est sur ses genoux, soutenant ses bras croisés. Il n'y a aucune information écrite sur la pochette autre que le nom de la maison de disques : « Verve », dit-il. « Un véritable disque de haute fidélité panoramique. » Au dos, le titre de l'album : "Ella et Louis".

La première des trois collaborations réussies entre Ella Fitzgerald et Louis Armstrong, "Ella and Louis" est presque parfaite. C'est une de ces œuvres d'art — et elles n'arrivent pas souvent — qui semble avoir toujours existé. Il présente deux des plus grands artistes du siècle : Armstrong, l'innovateur et ambassadeur du jazz, et Fitzgerald, son chanteur le plus doué. L'album a été produit par un homme presque seul responsable d'amener le jazz dans le royaume de la respectabilité et de la déségrégation de son public, qui a fondé le label qui l'a sorti et a réuni l'équipe de musiciens vedettes qui l'ont rendu si merveilleux. "Ella and Louis" a contribué à raviver l'intérêt pour ce qui allait devenir le Great American Songbook. Bien que ce soit quelque chose que seule la culture américaine pouvait produire, "Ella et Louis" était aussi quelque chose qu'une grande partie de la société américaine a travaillé dur pour empêcher.

Tout a commencé avec Norman Granz, producteur, promoteur et, en 1955, le manager d'Ella Fitzgerald. « N'importe quel livre sur ma vie », a déclaré Granz à son biographe Tad Hershorn, « commencerait par ma philosophie de base de la lutte contre les préjugés raciaux. J'aimais le jazz, et le jazz était ma façon de le faire. Granz a tiré parti de la réputation déjà vantée de Fitzgerald pour obtenir des concerts plus prestigieux et mieux rémunérés. Une fois cela accompli, il a tiré parti de sa popularité pour décomposer les lieux séparés : si vous vouliez Ella, vous intégriez votre public.

La philosophie de Granz était simple : il considérait de nombreux grands du jazz comme des artistes de classe mondiale et pensait qu'ils devaient être payés comme tels. En conséquence, en 1944, il fonde Jazz at the Philharmonic à Los Angeles, amenant une jam session de boîte de nuit dans une salle de concert. Le spectacle était à guichets fermés et l'enregistrement en direct un best-seller. Les tournées JATP suivantes incluraient les plus grands noms du jazz.

Cela n'a jamais été facile. Une fois, lors d'un concert du JATP à Houston, au Texas, Granz a attrapé un officier de l'escouade adjointe qui, selon Granz, plantait de la drogue dans les toilettes du vestiaire de Fitzgerald. Lorsqu'il a été confronté, le flic a mis son arme dans le ventre de Granz, en disant: "Je devrais vous tirer dessus." Granz a poussé fort contre le service de police de Houston, ce qui a entraîné l'abandon de l'affaire.

Parallèlement à sa prise de fonction en tant que manager d'Ella Fitzgerald, Granz a annoncé la formation de Verve Records. "J'étais intéressé par la façon dont je pourrais améliorer la position d'Ella, pour en faire une chanteuse avec plus qu'un simple culte parmi les fans de jazz", a-t-il déclaré. « J'ai donc proposé à Ella que le premier album de Verve ne soit pas un projet de jazz, mais plutôt un recueil de chansons des œuvres de Cole Porter. Je l'envisageais faire beaucoup de compositeurs. L'astuce était de changer suffisamment l'accompagnement pour que, ici et là, il y ait des signes de jazz. »

« Quand j'ai enregistré Ella », se souvient Granz, « je l'ai toujours mise en avant, pas un mélange. La raison était que franchement, je ne me souciais pas de ce qui arrivait à la musique. Il était là pour la soutenir. Des chefs d'orchestre m'ont dit qu'à la mesure 23, le trompettiste a joué une fausse note. Eh bien, je m'en fiche. Je ne faisais pas des disques parfaits. S'ils sont sortis parfaitement, très bien. Mais je voulais faire des disques dans lesquels Ella sonnait le mieux. Le premier album de Verve, "Ella Fitzgerald Sings the Cole Porter Songbook", s'est vendu à 100 000 exemplaires le premier mois.

Ella Fitzgerald et Norman Granz. Photo via The Jazz Word.

Le 15 août 1956, la performance JATP au Hollywood Bowl est devenue l'événement le plus fréquenté de l'histoire du lieu même si, onze ans auparavant, ils avaient dit à Granz qu'ils n'organiseraient jamais d'événement avec le mot "jazz" dans le titre. Le programme mettait en vedette Louis Armstrong and His All Stars, Ella Fitzgerald, Art Tatum et Oscar Peterson, un pianiste prometteur que Granz a amené aux États-Unis depuis son Canada natal.

Le lendemain, Fitzgerald et Armstrong se sont rencontrés dans les nouveaux studios Capitol à Hollywood pour une session d'enregistrement. "Mon idée était d'enregistrer les deux autant que possible", a déclaré Granz plus tard, "parce que j'avais toutes sortes d'idées pour utiliser Louie avec Ella." Le groupe d'accompagnement virtuose était l'Oscar Peterson Quartet, avec Ray Brown à la basse, Herb Ellis à la guitare et Buddy Rich à la batterie. Le produit, onze chansons enregistrées en une seule journée, deviendra « Ella and Louis ».

Compte tenu de toute la puissance de feu musicale impliquée, c'est un ensemble sobre. La plupart des chansons sont downtempo, ancrées par le timing et l'intonation impeccables du bassiste Ray Brown. Les voix sont bien mixées en amont, comme sur n'importe quel disque pop. Granz a produit, mais Armstrong a eu le dernier mot sur les chansons et les clés. Le matériel est principalement tiré d'airs de spectacles et de comédies musicales de Fred Astaire de la Grande Dépression, écrites par des maîtres tels que George et Ira Gershwin, Irving Berlin et Hoagy Carmichael. La liste des morceaux est un catalogue de certaines des mélodies les plus fortes jamais conçues.

Fitzgerald est au sommet de sa forme en tant que chanteuse sur "Ella and Louis". Sa diction et son pitch sont parfaits. Elle est le vent sous une feuille d'automne qui tombe sur «Moonlight in Vermont», malgré les paroles sans rimes et parfois maladroites (pour une raison quelconque, chaque couplet est un haïku). Elle fait des sauts d'improvisation surprenants - jamais en contradiction avec la mélodie - mais atterrit toujours sur ses pieds.

Armstrong est son partenaire idiosyncratique. Sa trompette est toujours aussi déclarative. Bien que les tournées constantes commençaient à faire des ravages, sa note occasionnelle gênée ressemble plus à de l'enthousiasme. Il n'a jamais oublié le dicton de son mentor "Papa" Joe Oliver : "Trouve-toi une piste et tu t'y tiens : La plupart des solos de trompette d'Armstrong sur "Ella and Louis" sont une récapitulation de la mélodie de la chanson, mais avec la livraison d'une fanfare de deuxième ligne. Ses harmonies, comme son chant scat autour de la voix d'Ella, sont étranges et attachantes. Selon Granz, Armstrong « ne s'en est jamais remis au matériel. Il a fait ce qu'il a fait, et c'est ce que j'essayais de saisir. Vous pouviez entendre sa respiration ou ses soupirs ou, au lieu du mot, il sortait avec un son. Mais pour moi, c'est sa qualité.

Trente ans auparavant, enregistrant avec les Hot Five à Chicago, Armstrong coupait la voix en criant dans un cor d'enregistrement acoustique. Sur « Ella and Louis », vous pouvez entendre son large vibrato se dissoudre dans un souffle flegmatique, ou son ton chute soudainement à un baryton grave, comme si le microphone était placé sur son cœur même. C'est une intimité rendue plus précieuse par l'imperfection.

La route de Louis Armstrong vers l'acceptation culturelle a été longue. En 1932, année de la composition de la chanson « Ella et Louis » « Avril à Paris », Armstrong apparaît dans le court-métrage « A Rhapsody in Black and Blue » vêtu d'une peau de léopard, en tant que musicien de cour pour un paysage de rêve rempli de bulles appelé Jazzlandia. Son jeu est aussi incroyable que la vanité raciste du film. « Oh, goutte de chocolat, c'est moi », chante-t-il :

Parce que mes cheveux sont bouclés

Juste parce que mes dents sont nacrées

Juste parce que je porte toujours un sourire

J'aime m'habiller dans le dernier style

Juste parce que je suis content de vivre

Oh, je prends des ennuis tout avec un sourire

Juste parce que ma couleur est la nuance

Me rend différent peut-être

C'est pourquoi ils m'appellent Shine

L'année précédente, en 1931, la police de Memphis avait arrêté Armstrong pour s'être assis à côté d'une femme blanche dans un bus, même si elle était la femme de son manager.

En 1956, Armstrong a publiquement boycotté sa ville natale de la Nouvelle-Orléans, lorsqu'il a interdit les groupes intégrés. Il ne reviendra y jouer qu'après que la loi sur les droits civils ait annulé la loi en 1964. En 1957, lui et son public intégré ont été la cible d'une tentative d'attentat à la bombe à Knoxville, Tennessee.

Par "Ella et Louis", Armstrong était l'ambassadeur internationalement reconnu et aimé du jazz, qui n'a jamais perdu son plaisir dans la description de poste. "Vous savez, il n'a jamais semblé que nous enregistrions vraiment, parce qu'il était toujours si heureux", a déclaré Ella à propos de lui.

«Il est arrivé comme si de rien n'était – il allait juste s'éclater. Et je faisais toujours des bêtises parce que j'étais tellement fasciné de le regarder que parfois je n'arrivais pas à l'heure sur ma chanson parce qu'il passait par tout le mouvement — ‘Sing it, Ella!’ & #8212 et il parlait, craquait et faisait des blagues pendant qu'il parlait et vous ne savez pas si vous devriez chanter ou rire, mais c'est le genre de gars qu'il était.

Russ Garcia, qui a fait les arrangements pour le troisième album du couple "Porgy and Bess", s'est souvenu des choses un peu différemment. "Louis l'a un peu agacée", a dit un jour Garcia en riant. “When she was singing a beautiful passage, he’d come in with his growling. She’d shoot him a sharp look and go on. It would throw her for a second. But it came off beautifully. Some people call that album ‘Whipped Cream and Sandpaper.'”

Some truly wonderful music was released in 1956. In retrospect, it’s inevitable that talented white boys like Elvis Presley or Johnny Burnette would want to explore black idioms — they could do so, after all, with some grumbling but no censure. It makes sense that jazz pioneers like Art Blakey and Miles Davis and John Coltrane would push the boundaries of the form, but Louis Armstrong had been there first. It was his trumpet playing in the 1920s with the Hot Five that fixed the idea in the public consciousness of an improvisational lead instrument in a small band setting. All the rest, although wondrous, was commentary.

It was perhaps more of a cultural leap, in the middle of that tumultuous century, that two black performers could be considered the best interpreters of white show tunes, and that the extemporaneous heart of jazz could elevate the whole to iconic status, desegregating American popular culture in just eleven songs.

Tom Maxwell is a writer and musician. He likes how one informs the other.


Ella Fitzgerald: Breaking down racial barriers with her voice

In the Archives Center, jazz always seems to be a topic of discussion, whether it be a researcher looking for the Duke Ellington Collection or processing negatives for the Duncan P. Schiedt Photograph Collection. We are constantly pulling, researching, processing, and scanning different jazz-related sheet music, photos, correspondence, and other documents. All the jazz research compelled me to dig deeper into the life of my favorite jazz musician, Ella Fitzgerald.

Among the documents and photos in the Archives Center's collection of Ella Fitzgerald Papers, I found fascinating primary sources pointing at Fitzgerald's connections to the civil rights movement.


Ella Fitzgerald is and always will be remembered for her contributions to jazz and popular song. Her unique, velvety voice is one of the things that separated her from every other rising star of her time. Her voice made her legendary, elevating her to the ranks of jazz icons Duke Ellington and Louis Armstrong. Over her long career, her voice took her to many different venues, cities, and countries. It even took her to places that many African Americans dared not go in the late 1950s and 1960s, an era of racial segregation. Her undeniable talent, however, allowed her to open doors not only for herself, but for the many African American performers who followed her.

In April 1954 Fitzgerald signed a contract making Norm Granz her sole manager. Granz was an avid civil rights activist who fought hard to ensure equality for the musicians he managed, and he did this by fighting to keep their shows free of discrimination.

In October 1955 Granz met with a ticket seller in Houston prior to a Dizzy Gillespie and Ella Fitzgerald performance with the concert tour called Jazz at the Philharmonic (JATP). JATP was a series of concerts and recordings performed by some of the biggest jazz stars of the time and produced by Norman Granz. In Houston, he made sure to tell the ticket seller that this would be an integrated show, and, on October 7, he proceeded to take down the "Negro" and "White" labels from the bathroom doors. Houston had a history of being extremely conservative, so Granz's attempt to integrate the show was not well-received. Once the first show came to its close, police stormed into Fitzgerald's dressing room and arrested Fitzgerald, Gillespie, and other musicians. They were treated as criminals. And yet, once taken to the police station, Fitzgerald recalled still being asked by the police officer for her autograph.

This was not enough to stop Granz from continuing his mission. As Fitzgerald's manager, he wanted to give her as much equal opportunity as possible, and, despite some setbacks, he was met with much success.

It was difficult for venues to deny Fitzgerald on the basis of race when her talent was loved by so many and she could draw huge crowds. Of her fans, one of the most prominent was singer, actress, and icon Marilyn Monroe. She was such a big fan of Fitzgerald that she used her connections to help advance Fitzgerald's career and ultimately allow more people the opportunity to witness her performances.

In October 1957 Monroe made a call to the Mocambo nightclub in Los Angeles, on behalf of Fitzgerald. Monroe used her social status and popularity to make a deal with them. If they allowed Fitzgerald to perform, Monroe promised that she would take a front-row seat every night, and that is exactly what happened. Monroe's presence in the front row, night after night, would create powerful publicity for the club—a deal they found attractive. As a result, Fitzgerald became the first African American to perform at Mocambo, and it gave her career a big boost.


During her life, Fitzgerald was awarded the National Association for the Advancement of Colored People (NAACP) Equal Justice Award and the American Black Achievement Award, as well as many other honors that celebrated her talents and accomplishments both in the jazz world and in the civil rights movement. Fitzgerald was seen as an inspiration. Her drive pushed her career forward, and by using her talent and help from her friends, colleagues, and manager, she was able to break down seemingly impossible barriers.

Want to learn more about the American experience through the transformative power of jazz? The museum’s Smithsonian Jazz team strongly recommends you check out their website to explore our jazz oral history collection, get tickets to performances by the Smithsonian Jazz Masterworks Orchestra, celebrate Jazz Appreciation Month, and more. Or sign up to receive a monthly jazz e-newsletter from the museum for regular reminders.

Rebecca Kuske completed an internship with the Archives Center at the National Museum of American History.


Ella Fitzgerald (1917-1996)

Ella Fitzgerald was a female jazz singer considered without equal at the height of the jazz era. Her voice had an amazing and vibrant range that allowed her to sing nearly every jazz style. Ella was also an accomplished composer and bandleader who performed into the 1990s.

Born in Newport News, Virginia on April 25, 1917, Ella grew up in Yonkers, New York in poverty. She developed a love of music from a young age and at 17 won an amateur contest at the Apollo Theater in Harlem with her rendition of “Judy” that earning her a week’s engagement at the prestigious entertainment venue. Additionally she was noticed by jazz drummer Chick Webb.

Ella Fitzgerald immediately joined Webb’s band and started performing at Harlem’s Savoy Ballroom. Her first national hit in 1938 was “A-Tisket, A-Tasket,” a jazz version of the nursery rhyme. After Webb’s death in 1939, Fitzgerald led the band for the next three years, a testament to her leadership and talent. In the 1940s Ella had developed a mastery of scatting, bop, and ballad. Her style was not as emotional as rival Billie Holiday’s, but she infused a vibrance and excitement into her music. Among her hits at the height of her popularity were “Lady Be Good,” “How High the Moon,” “Flying Home,” “Undecided,” and a collection of “Songbooks” with compositions from Duke Ellington, George Gershwin, Cole Porter, and others.

In 1943 Ella Fitzgerald became the youngest member of the American Society of Composers, Authors, and Publishers. She wrote several hits during the 1940s including “You Showed Me the Way,” recorded by Billie Holiday, and “Oh, but I Do,” recorded by Nat King Cole.

Ella Fitzgerald continued to perform into the 1980s. In 1991 she won her 13th Grammy award for “All That Jazz” and in was inducted into the National Woman’s Hall of Fame. Over the course of her career, Fitzgerald won thirteen Grammies, sold over 40 million records, performed for 58 years, and elevated jazz singing to new heights. She died in Beverly Hills, California in 1996.


Ella Fitzgerald - History

Faits amusants

  • Ella was born in 1917. She grew up in Yonkers, New York in a busy, vibrant neighborhood. She liked to play baseball with the other kids, listen to music, and dance and sing.
  • Her stepfather, Joe, was a chauffeur and ditch digger. Her mother, Tempie, worked at a laundromat and catered food. To make a little money, Ella sometimes delivered money for gambling operations in the area.
  • Tempie died in 1932 after she was in a serious car accident. Ella was devastated. She went to live with her Aunt Virginia. Joe died of a heart attack not long after and Ella’s little sister Frances joined her.
  • Ella missed her mother terribly. She started skipping school and getting into trouble. Eventually she was arrested by the police and sent to reform school. The people who ran the school were very unkind and sometimes beat her.
  • When she was just 15 years old, she ran away from the school and lived on her own. She later said that this experience made her grateful for her singing success.
  • When she was 17, her name was pulled in a drawing at the Apollo Theater in New York. She got to perform one number for amateur night. She thought she would dance, but another group was so good at dancing that she decided to sing instead.
  • When it was her turn, she looked out at the audience nervously. People booed at her. She took a deep breath and started singing one of her favorite songs. The booing stopped and by the time she was done, the audience cheered and asked for one more song.
  • Benny Carter, a saxophonist, was there that night. He liked her voice and began introducing her to other people in the music business. Ella entered every talent show she could find. Chick Webb offered her a job singing with his band at a rate of $12.50 per week.
  • In 1931, Ella’s song, “A Tisket, A Tasket,” hit number one on the pop charts and sold over a million copies. Ella was on her way!
  • When Chick Webb died unexpectedly, the band changed its name to Ella Fitzgerald and Her Famous Band. Ella was the bandleader.
  • Ella married Ray Brown in 1946 and the couple adopted a son.
  • Ella’s career soared. She sold records, toured the country, and appeared on many television shows.
  • Ella made over 200 records during her life. She was one of the most loved singers of all time. Ronald Reagan gave her the National Medal of Arts. She won many other awards and recognitions.

Vocabulaire

  1. Amateur: someone who is not a professional
  2. Chauffeur: someone who drives others for a profession

Frequently Asked Questions

Question:Did Ella have any other children?

Réponse:No. However, she was very interested in helping impoverished children and gave thousands of dollars to that cause. She also cared for Frances’s family after her death.


Ella Fitzgerald at 100

For listeners of several generations, Ella Fitzgerald was the first jazz singer we heard, and the first one we loved. Those who were born during the Great Depression and World War II literally grew up with Ella, hearing her first as a teenaged vocalist with Chick Webb’s orchestra, then—after Webb’s death—as a band leader, a solo artist, and an astounding scat singer. Baby Boomers knew her as “The First Lady of Song” who performed the very best songs of Cole Porter, Irving Berlin, and Harold Arlen. In addition, she appeared on many TV variety shows, where she sang with everyone from Duke Ellington to Joan Sutherland. Younger generations first saw her as a matronly figure whose creativity was still in top form, even when her voice failed her. For those who could not yet fathom the melodic distillations of Billie Holiday, the tough-and-tender attitude of Carmen McRae or the pyrotechnical improvisations of Betty Carter, Ella Fitzgerald was there, providing a sunny approach to jazz, and an easily accessible style. (In the William Gottlieb photo at left, notice Dizzy Gillespie‘s rapt attention! By the way, that’s her future husband Ray Brown right behind her the balding head in the foreground belonged to Timme Rosenkrantz.)

One of my favorite Fitzgerald tracks is her wonderful 1958 recording of “Blue Skies”. Originally recorded for “The Irving Berlin Song Book” but omitted from that set because the extended scat solo seemed out of place, the track was first issued on a Playboy Jazz All-Stars LP, and soon after on a Verve compilation album. The recording remained fairly obscure until the CD era, when it was included on several Verve anthologies, and was re-attached to the Berlin album. It is a brilliant example of Ella at her artistic peak. The opening scat cadenzas identify Fitzgerald instantly, and her clear diction and unerring pitch enriches the opening chorus. Harry Edison is there too, offering pungent commentary on muted trumpet. As the first chorus ends, listen to the saxophone figure in the background, and then marvel at how Fitzgerald picks up that riff and runs with it! (This was probably the most subtle aspect of her musical mimicry). As the solo progresses, she repeats ideas at different pitch levels to create flowing melodic lines and rhythmic impetus. With the help of Paul Weston’s fine arrangement, Fitzgerald builds her solo to a stunning climax. When she returns for the final half-chorus of melody, the kinetic energy continues unabated. We can be fairly sure that Fitzgerald improvised every bar of this solo: it was recorded in a marathon session along with 9 other tracks, and it is likely that Fitzgerald read the chart down for this single surviving take. In all probability, she didn’t know that she would have to scat a multi-chorus solo until she saw the music without any preparation, she simply went by her knowledge and instincts, and created a masterpiece in the process.

Like two of her esteemed contemporaries, Fred Astaire and Arturo Toscanini, Ella Fitzgerald was extremely self-critical. Carmen Bradford recalled a backstage talk when the usually nervous Fitzgerald confessed that her performances didn’t always go as well as she hoped (to which the incredulous Bradford replied, “Since when?”). Astaire was confident about his dancing ability, but modest about his talents as a singer. When Mel Tormé was preparing an LP tribute to Astaire, he phoned Astaire to ask for advice. Astaire couldn’t believe that anyone would ever consider making such an album! After a seemingly flawless performance, Toscanini could be surprisingly inconsolable, walking off the podium and muttering to himself all the way back to his dressing room. What were Fitzgerald, Astaire and Toscanini looking for in their performances that the cheering audiences did not sense? We may never know for sure, but it might be that each was looking for that ecstatic joy that occurs when the music takes on a life of its own, raising the emotional and spiritual content of the performance to a higher level. It is significant that Fitzgerald, Astaire and Toscanini were all willing to let the emotions loose, and to allow the music to develop and expand.

Fitzgerald found that ecstatic joy several times in her career, and it is a key element in her wild duet with Louis Armstrong on “Stompin’ at the Savoy”. It starts calmly enough, with Fitzgerald singing the tune in a gently swinging medium tempo. Then Louis Bellson kicks the band into a faster tempo for Fitzgerald’s scat solo. The tempo rises again for Armstrong’s solo, and soon after, things start to spin out of control. What starts as a scat duet becomes a chorus for Armstrong, who tries to develop an arching phrase on a couple of occasions before abandoning it. Fitzgerald rejoins the commotion, revealing her confusion with a repeated “What do we do”. The tempo continues to accelerate, and producer Norman Granz (with the encouragement of Lionel Hampton?) calls for the performance to continue. Les coup de grâce occurs when Armstrong makes a remark about Atlantic City, and immediately retracts it: “No, we’re not going to talk about that one!” The reference was to a then-recent concert when an escaped mental patient jumped on the stage and attacked Fitzgerald. Ella could have asked Granz to leave the track (and Armstrong’s remark) in the vault, but apparently Granz issued it without any argument from Ella. In an interview held many years later, Fitzgerald just shook her head with amazement that Armstrong made the reference at all. Apparently, she felt that it was all for the good of the music.

Thrust into a world of supremely talented musicians, Fitzgerald made friends with celebrities she had idolized from afar. She collected their autographs, and was genuinely surprised when those stars asked for her signature in return. She was praised in the mass media by Bing Crosby, Ira Gershwin, Frank Sinatra and Tony Bennett. In a magnanimous gesture, Marilyn Monroe gave Fitzgerald’s career a major push by encouraging the owner of Hollywood’s Tiffany Club to book Fitzgerald Monroe promised to come to Ella’s show every night, guaranteeing constant press coverage (Fitzgerald remembered this incident happening at another LA club, the Mocambo, but April VeVea’s extensively researched article iciproves that it was indeed the Tiffany Club). To show another side of Fitzgerald’s personality, vocalist Carol Sloane recently recalled a personal encounter:

Circa 1975: I am sitting beside Ella Fitzgerald, in the VIP section of a major European airport lounge, awaiting the announcement of our flight departure… I couldn’t resist the golden opportunity to ask: “Ella, is it possible, with your vast repertoire, you have a favorite song?” She replied without hesitation: “Oh yes”, and began to sing the beautiful verse that begins: “I have almost everything a human could desire.” She asked me if I knew it [it was Billy Strayhorn’s “Something to Live For”], and when I said I did, we began to sing the rest of the verse together. Just the two of us. In a quiet corner of a luxury space reserved for exclusive first-class passengers, I knew I was the most privileged of them all.

Fitzgerald had millions of loyal fans, and only a handful of detractors. Not surprisingly, most of the members of the latter group were music critics. In 1962, Nat Hentoff wrote a scathing review where he complained, a major jazz singer must swing, improvise imaginatively and phrase instrumentally. But a major jazz singer must also make each song reflect what she has lived and experienced. Musicianship, however skillful, is not enough. And Ella, technically brilliant as she is, is not emotionally open enough in her singing to merit a place in the first rank of jazz singers. In 1964, Martin Williams—in an otherwise complimentary review—stated that Ella Fitzgerald is not capable of tragedy. The arguments are specious at best: who says that every jazz singer must follow a specific set of criteria, and why is it necessary that a jazz singer takes on all ranges of emotion? Still, Fitzgerald probably revealed more emotion than Hentoff, Williams or anyone else realized. Ella guarded many details of her private life. It was only after her death that we learned that she had been homeless when she got her first break at the Apollo Theater amateur contest. She had severe neurosis over her lack of formal music education, her failed love life, and her general appearance. More often than not, she would push those uncomfortable feelings into the background. Listening to her recordings now, we can surmise the deeper meanings of her lyrics to “You Showed Me the Way” (certainly dedicated to Webb, who gave her a home and stardom) or the pain in her many versions of “Angel Eyes”. Ella probably read those notices by Hentoff and Williams (against Granz’ advice!) and may have decided to add even more of that emotional depth to her live performances. Listen to this stunning 1968 performance of “Summertime” as a potent example.

April 25, 2017 marks the 100th birthday of Ella Fitzgerald. The anniversary has prompted lots of media hype, plus numerous reissues and tributes. Universal Music, which currently owns all of Fitzgerald’s recordings for Decca and Verve, has a long list of planned reissues, including a new 6-LP edition of “The George and Ira Gershwin Song Book”, a 300-track digital download of her complete Decca singles, a forthcoming complete edition of Fitzgerald’s duets with Louis Armstrong, an album matching Fitzgerald’s vocals to new recordings by the London Symphony Orchestra, and a new 4-CD anthology, “Ella 100: 100 Songs for a Centennial”. At first glance, the song selection of “Ella 100” seems hopelessly flawed—no JATP performances, no personal ballads like “Angel Eyes” or “I Got it Bad”, no scat triumphs like “Blue Skies”, “How High the Moon”, or “Airmail Special”, no expansive song readings like “Bewitched, Bothered and Bewildered” or “Blues in the Night”. But while the selections are unusual, they still present a fairly well-balanced overview of Fitzgerald’s recorded work from 1936-1966 (However, the absence of any discographical information is inexcusable). Those who want to hear some of the above-cited tracks should seek out two earlier Verve compilations: the three-CD “First Lady of Song” and/or the 2-CD soundtrack to the “American Masters” documentary “Something to Live For” (While you can, be sure to pick up the DVD of that documentary. Directed by the late Charlotte Zwerin, it is an excellent study of Fitzgerald’s public and private personas.)

There has been a plethora of Ella tributes in the past few weeks. The streaming webcast of Jazz at Lincoln Center’s Ella celebration was a mixed bag. It featured several well-known vocalists, but only a few seemed able to capture Fitzgerald’s spirit. The young vocalist and tenor saxophonist Camille Thurman started the program with a stunning “Oh, Lady be Good” featuring a close approximation of Fitzgerald’s first scat chorus, followed by a spectacular scat solo of her own. Later in the program, Roberta Gambarini and Kenny Washington performed a vivacious reading of “Almost Like Being in Love” as a salute to the Armstrong/Fitzgerald duets, and shortly thereafter, a combo version of “I Was Doing All Right” featured delightful interplay between Diana Krall and Wynton Marsalis. At the end, Gambarini returned for a Fitzgerald classic based on a nursery rhyme—not “A-Tisket, A-Tasket” but the even more unlikely “Old MacDonald” (a piece that Ella recorded with Marty Paich in 1966). In the week before Fitzgerald’s birthday, Ann Hampton Callaway—who may be the closest spiritual cousin to Ella singing today— presented her tribute show at Birdland. While a handful of YouTube videos have emerged from the run, the best presentation of Callaway’s devotion to Fitzgerald may be her CD “To Ella with Love”, recorded just prior to Fitzgerald’s passing in 1996. Meanwhile on the West Coast, vocalist Staci Griesbach has created 100 YouTube videos featuring her cover versions of Fitzgerald classics (a concert with Griesbach performing several of these songs occurred at the E-Spot Lounge in Studio City, CA on April 29). The Grammy Museum has launched a new exhibit dedicated to Fitzgerald’s life and career, with Katie Thiroux serving as Musical Director. The Smithsonian Institute in Washington DC is also presenting a Fitzgerald salute, and in Georgetown, Blues Alley held the official Ella Fitzgerald competition for young vocalists (which was won by another JHO favorite, Alyssa Allgood).

It’s been said that Ella Fitzgerald didn’t realize just how good she was. Whether that assumption is true or not may never be known. I suspect that she knew more about music than she revealed to the public, and I’m sure that the adulation from her audiences and contemporaries had a positive effect on her inner emotions. There is no doubt that she would have been surprised with all of the attention stemming from this centennial celebration, but despite her protests that she wasn’t worthy, she would be gracious and supportive of these younger musicians. That’s entirely fitting: the love and passion that Ella Fitzgerald brought to jazz is now being returned one hundredfold.


Ella Fitzgerald: Just Why Is She So Important?

From the blues to bossa nova and calypsos to carols, she imbued all with her unique voice. Ella Fitzgerald will live forever.

Born on April 25, 1917, if not quite at the dawn of the recorded music era, then during its infancy, Ella Fitzgerald has done more than most singers to fill the world with beautiful music and spread the joy and the love of the Great American Song Book. But what is it that makes Ella so important? Or as Mel Tormé put it, “She was the best singer on the planet.”

Listen to the best of Ella Fitzgerald on Apple Music and Spotify.

Big Band beginnings

As a teenager she bunked off school, worked for the Mafia, and lived on the streets, so it is perhaps surprising that her purity of voice has beguiled audiences since she first recorded with Chick Webb’s Orchestra in 1935. Like so many singers from the era of the big bands, Ella’s job was to perform live for dancers at clubs and ballrooms and then to go into the studio to sing the pop songs of the day, whether they truly suited her voice, or not. As often as not these songs better suited the band than the singer.

It wasn’t until the summer of 1938 that Ella found real success and when she did it was with a 19th-century nursery rhyme that was brought up to date by Van Alexander who regularly sold arrangements to Chick Webb. “A-tisket A-tasket” hit the right note with record buyers and it made No.1 on the American hit parade. A year later Webb passed away from spinal tuberculosis and for the next few years, Ella kept his orchestra together, billed as Ella Fitzgerald and her Famous Orchestra.

However, it was a struggle to keep it going the band members were very demanding and Ella, barely in her twenties, found their demands difficult to rebut. In the summer of 1942 things came to something of a head when the American Musician’s Union (AFM) called a strike for all its members, which put an end to recording. Decca Records, Ella’s label, came to an agreement with the AFM in late September 1943 and instead of putting her back with her Orchestra, Decca teamed Ella with another of their prized recording assets, The Ink Spots. The result “Cow-Cow Boogie” made the Panneau d'affichage Top 10. Later in 1944, the same pairing scored a No.1 with “Into Each Life Some Rain Must Fall” coupled with “I’m Making Believe.”

Having had this success Decca tried to replicate the formula with recordings with Louis Armstrong, Louis Jordan, The Delta Rhythm Boys, and The Song Spinners and there were some modest hits. One of these was her last chart success of the decade, “Baby It’s Cold Outside” with Louis Jordan, from the Esther William’s 1949 film Neptune’s Daughter. The problem was, no one at Decca could work out what Ella should be singing solo.

A career sea-change

Ella at her live performances was increasingly embracing be-bop during these years, touring with Dizzy Gillespie’s band and while their gigs did good business at the box office, the music they made together was never going to sell a million records. In 1949 Ella made her first appearance at Jazz at the Philharmonic, which marked a sea change in her career. From this point on, Ella seemed to rise above the fray and to elevate herself to a musically higher plane.

As the 1950s rolled around, Ella’s appearances on the Panneau d'affichage charts were infrequent, but this was by no means a reflection on the quality of her recordings. Songs like “I’ve Got a Crush on You” were stunning, pointing to the direction in which Ella was heading it and several other brilliant recordings from this period are available on the album, Pure Ella. The public liked them too, meaning that by 1954 she had sold over 20 million records, which put her up there with the most popular singers, black or white.

Meeting jazz’s biggest advocate

Norman Granz who founded Jazz at the Philharmonic and Clef Records was completely enamored by Ella, but couldn’t understand why Decca didn’t record her singing what he thought was the right material. Granz became Ella’s manager just prior to a JATP tour of Europe in 1954. Probably with some coercion from Granz, Decca allowed Ella to record with Ellis Larkins and the album they produced, Songs in a Mellow Mood is fabulous. The following year Ella recorded with an orchestra conducted by the 25-year-old Andre Previn and soon after with Benny Carter’s orchestra – songs like “It Might as Well Be Spring” and “I Can’t Get Started” (Previn)

“Between the Devil and The Deep Blue Sea” and “Ol’ Devil Moon” (Carter) were much more in keeping with the direction that Norman Granz wanted for Ella. Ella’s last session of her 21-year recording career for Decca was on August 5, 1955, she had moved on from being a “singles” artist, and needed to be presented in a way for which the long-playing record was ideally designed. Comme Frank Sinatra, who had similar issues at Columbia Records a few years earlier, Ella went from being “The First Lady of Song” to “The Voice of Jazz” and it really was all thanks to Granz and Verve Records, the label he created for Ella.

Establishing the “Ella” songbook

On February 7 at Capitol Records studio in Los Angeles, the same studio in which Frank Sinatra recorded all his classic albums, Ella recorded ten songs that would be included on Ella Fitzgerald Sings the Cole Porter Song Book. It is essential listening – no self-respecting lover of music should live without this wonderful music. It was the start of the Song Book series of albums that helped define what a long-playing record should be like and at the same time established Ella as the greatest female vocalist of the last 100 years.

Dip into any one of her Song Books, pick any track at random and you will hear perfection. Everything from the arrangements, the musicians, and the songs themselves create the perfect blueprint for Ella’s voice. Ella was 38 years old when she recorded her first song book and her voice was honed to perfection. Whether she is singing a straightforward ballad or love song or something with more than a hint of jazz about it she purrs and swings. There can be no one who has heard these records and not been totally beguiled.

It was also in 1956 that Ella recorded again with Louis Armstrong. Following a gig at the Hollywood Bowl the day before, they went to Capitol’s Hollywood studio to record Ella and Louis, arguably the greatest album of jazz duets ever. The following year they recorded Ella and Louis Again et Porgy and Bess the latter is one of the most beautiful recordings ever made.

It wasn’t until 1964 that Ella completed her song book cycle with the Johnny Mercer album. In between, there were numerous other albums with arrangers like, Russ Garcia, Paul, Weston, Quincy Jones, Frank DeVol, and Nelson Riddle all adding their shimmer and gloss to a career that was the kind that other singers aspire to.

Ella’s later career while not climbing to the dizzy heights of her decade with Verve Records still produced memorable highlights, as did her concert performances around the world. In 1980, Granz, who still managed Ella, came up with the idea that was almost a songbook, Ella Abraça Jobim her tribute to the brilliant Brazilian songwriter. She also returned to the Gershwin canon with her old friend, Andre Previn.

Leaving her final musical mark

In 1987 Ella did her third album with the brilliant guitarist, Joe Pass it was also the year she needed to have open-heart surgery. Two years after that she recorded her final studio album, appropriately entitled, All That Jazz. In 1992, she had both legs amputated below the knees because of complications arising from diabetes. In 1991, Ella who once said, “the only thing better than singing is more singing”, gave her final concert at New York’s Carnegie Hall.


Black Health History: Ella Fitzgerald

Ella Fitzgerald, also known as &ldquoFirst Lady of Song&rdquo and &ldquoLady Ella&rdquo, captured audiences everywhere with her ethereal voice and commanding vocal range. She was one of the originators of &ldquoscat singing&rdquo and a masterful musical improviser.

&ldquoI never knew how good our songs were,&rdquo songwriter Ira Gershwin once said, &ldquountil I heard Ella Fitzgerald sing them.&rdquo

Throughout her career, Fitzgerald led big bands and symphony orchestras with a versatile repertory that spanned show tunes, jazz arrangements, novelties, bossa nova, and even classical opera.

Despite her professional prowess, her health showed signs of weakness fairly early in her life. The culprit? Type 2 diabetes.

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Beginning in the 1970s, Fitzgerald began to have eyesight problems complicated by the disease, and in 1986 she had serious heart surgery. Despite the procedure, she made a triumphant return to the stage that next year.

Her triumphant spirit helped her push through even after both legs were amputated below the knee, continuing to perform regularly in the early 1990s.

Toward the end of her life, the jazz legend was confined to a wheelchair and spend most of her time in her Beverly Hills home. Like many others, she became a victim of a disease that has killed individuals from all walks of life.

What is type 2 diabetes?

Per the CDC, diabetes is the irregulation of insulin in the body. Insulin is a hormone made by your pancreas that acts like a key to let blood sugar into the cells in your body for use as energy.


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