Moïse de Michel-Ange

Moïse de Michel-Ange


Michelangelo Buonarroti est né en 1475 en Toscane. Il a terminé sa formation artistique à Florence et a créé un art merveilleux à Rome. Bien que l'extraordinaire plafond de la chapelle Sixtine en dit long sur Michel-Ange, le peintre céleste, il était avant tout un sculpteur. Dans cette splendide statue de Moïse, nous pouvons apprécier les talents de sculpteur phénoménaux de Michel-Ange. Moïse porte une robe aux plis profonds, et le tissu s'accroche à ses jambes comme s'il s'agissait de lin plutôt que de marbre. Sur ses bras et ses mains, les tendons et les veines sont visiblement tendus, la force de son corps musclé est évidente et le poids des tablettes de pierre est suggéré.

Le pape

Michel-Ange a créé ses œuvres les plus célèbres pour le pape Jules II, qui était connu comme le « pape guerrier » en raison de sa politique militaire active, il a même mené des troupes au combat. Mais ce pape « redoutable » appréciait aussi les beaux-arts et, en 1505, confia à Michel-Ange la tâche de sculpter son tombeau, dont Moïse est la figure centrale. La même année, il commande également à Michel-Ange de peindre le plafond de la chapelle Sixtine. Bien que Michel-Ange ait déjà passé des mois à Carrare pour sélectionner le marbre de la tombe, ce dernier projet a pris le pas, repoussant les travaux sur la tombe, et donnant lieu à de nombreuses disputes et désaccords entre le pape et l'artiste. Les arguments légendaires Julius/Michel-Ange ont accompagné une grande partie du projet de la Chapelle Sixtine.

La Commission

Le tombeau papal était important pour Michel-Ange, il lui a permis de créer une œuvre d'art monumentale qui combinait sculpture et architecture. Sa conception originale était grandiose : un énorme groupe d'art à trois niveaux avec plus de quarante statues, dans le style imposant du grand pape qu'il devait commémorer. Pour Michel-Ange, cette commande a marqué un moment créatif important dans sa carrière, même si les travaux n'ont commencé que quatre ans plus tard, après l'achèvement de la chapelle Sixtine. Le pape Jules II est décédé en 1513 et le projet a été redimensionné plusieurs fois. La version finale, commandée en 1532, comportait une réduction drastique de la taille et moins de statues autour de la figure centrale de Moïse. Le tombeau a finalement été achevé en 1545.

Le sujet : Moïse

Moïse a conduit le peuple juif asservi hors d'Égypte d'une manière spectaculaire, et non moins formidable fut son exploit ultérieur de donner à son peuple les Dix Commandements, directement de la main de Dieu. Moïse a pris livraison des commandements au sommet du mont Sinaï, mais la joie du moment s'est transformée en colère furieuse lorsqu'il est descendu du mont et a vu que son peuple adorait de fausses idoles. Michel-Ange capture toute cette terrible colère dans le marbre : le visage de Moïse, bien qu'en partie couvert par sa barbe, montre la forte émotion du moment. Les commandements avaient été sculptés sur des tablettes de pierre sans aucun doute Michel-Ange ressentait une certaine affinité de l'artisanat et approuvait le médium choisi pour transmettre les lois de Dieu à son peuple.

La sculpture

La statue de Moïse est au centre du monument papal, et sa force terrible attire toute l'attention. Moïse est assis dans une niche ornementale, un pied en avant comme dans la plupart des œuvres d'art de Michel-Ange, et tient les commandements sous son bras. Vous pouvez voir son corps fort et musclé sous ses robes drapées, et vous pouvez sentir la tension et la colère en lui en observant les veines qui se détachent, l'érection de sa posture et l'intensité de son regard sous les sourcils froncés. Sa barbe abondante est très longue et ses cheveux sont bouclés et épais.

Ces cornes

Les cornes sur la tête de Moïse ont provoqué beaucoup de discussions et de perplexité, et de nombreux chercheurs et érudits ont consacré beaucoup de temps et d'études à tenter de déterminer les raisons des cornes. Dans l'art chrétien médiéval, Moïse est souvent représenté comme ayant des cornes sur la tête, ce qui était considéré comme une sorte de « glorification ». À l'époque, les cornes n'avaient aucune connotation négative. Selon de nombreux historiens, cette curieuse idée de « glorification à cornes » provient d'une erreur de traduction du mot hébreu « karan » qui signifie soit « briller », soit « émettre des rayons » ou « corne », dans l'Exode, chapitre 34. Il a été traduit, avec difficulté, dans la Vulgate latine comme « corne » (« cornuta »). À son tour, l'antique Bible de Douay-Rheims traduisit le passage pertinent de la Vulgate latine comme suit : « Et lorsque Moïse descendit du mont Sinaï, il tenait les deux tables du témoignage, et il ne savait pas que son visage était cornu du conversation du Seigneur."

La Basilique

L'église de San Pietro in Vincoli, qui signifie Saint Pierre dans les Chaînes, ainsi appelée parce qu'elle a été reconstruite sur des vestiges romains en 430 pour abriter la relique des chaînes qui avaient retenu saint Pierre prisonnier, abrite le tombeau du pape Jules II. Ce tombeau glorieux, avec sa célèbre sculpture d'un Moïse courroucé en son centre, est une attraction pour les érudits, les amateurs d'art et les touristes du monde entier. C'est une statue puissante. En 1913, Sigmund Freud a consacré plus de trois semaines à l'observation attentive de cette œuvre d'art intrigante, essayant de comprendre l'énorme pouvoir émotionnel de la statue. Les gens visitent l'église depuis le XVIe siècle avec cette même idée en tête. Quiconque souhaite découvrir le charme de l'original Michel-Ange "Moïse", n'a qu'à visiter cette église historique sur la colline Oppian à Rome, non loin du Colisée.

Moïse était une magnifique sculpture en marbre achevée par Michel-Ange en 1515.

Il était relativement rare que l'artiste produise une sculpture en pied, la commande venant du pape Jules II qui souhaitait un tombeau élaboré.

La photographie de droite illustre les détails impliqués dans cette pièce et se concentre uniquement sur la moitié supérieure de la grande sculpture. Au total, il mesure 235 cm de haut.

Moïse est représenté ici avec deux cornes et la plupart des controverses et discussions qui ont entouré cette sculpture ont été directement liées aux cornes et à la raison de leur inclusion.

La sculpture est maintenant exposée au San Pietro in Vincoli à Rome. Le but initial était qu'elle soit conservée en privé dans la tombe de Jules II, mais son emplacement actuel rend cette importante sculpture historique beaucoup plus accessible aux amateurs de la Renaissance et de l'art en général.


Quand Michel-Ange a fini de sculpter David, il était clair qu'il s'agissait probablement de la plus belle figure jamais créée, dépassant même la beauté des sculptures grecques et romaines antiques. Mot de David atteint le pape Jules II à Rome, et il a demandé à Michel-Ange de venir à Rome pour travailler pour lui. Le premier travail que le pape Jules II a commandé à Michel-Ange était de sculpter sa tombe (la tombe du pape Jules II).

Cela peut nous sembler un peu étrange aujourd'hui, mais de grands dirigeants à travers l'histoire ont prévu des tombes fabuleuses pour eux-mêmes alors qu'ils étaient encore en vie pour s'assurer qu'ils resteront dans les mémoires pour toujours (pensez aux pharaons d'Égypte ayant construit les pyramides). Lorsque Michel-Ange a commencé la tombe du pape Jules II, ses idées étaient assez ambitieuses. Il a prévu une structure de deux étages qui serait décorée de plus de 20 sculptures (chacune d'entre elles grandeur nature, voir figure 1). C'était plus qu'une personne pouvait faire dans sa vie !

Figure 1. Croquis du tombeau proposé.

Bien sûr, Michel-Ange n'a jamais pu terminer la tombe entière. Notamment à cause du pape Jules lui-même, qui a demandé à Michel-Ange d'arrêter de travailler dessus et de peindre le plafond de la chapelle Sixtine (mais c'est une autre histoire). Michel-Ange a finalement achevé une version beaucoup plus réduite de la tombe après les ennuis des héritiers du pape Jules II (et c'est ce que l'on peut voir aujourd'hui à San Pietro in Vincoli, à Rome).

Figure 2. Michel-Ange, Moïse, marbre, 1515 (San Pietro in Vincoli, Rome)

Moïse est une silhouette imposante – il mesure près de huit pieds de haut assis ! Il a d'énormes bras musclés et un regard furieux et intense dans ses yeux. Sous ses bras, il porte les tablettes de la loi, les pierres gravées des Dix Commandements qu'il vient de recevoir de Dieu sur le mont Sinaï.

Dans cette histoire du livre de l'Exode de l'Ancien Testament, Moïse quitte les Israélites (qu'il vient de délivrer de l'esclavage en Égypte) pour se rendre au sommet du mont Sinaï. Quand il revient, il découvre qu'ils ont construit un veau d'or pour l'adorer et lui faire des sacrifices – en d'autres termes, ils ont agi comme les Égyptiens et adoré une idole païenne.

L'un des commandements est "Tu ne feras aucune image taillée", alors quand Moïse voit les Israélites adorer cette idole et trahir le seul et unique Dieu qui, après tout, vient de les délivrer de l'esclavage, il jette les tablettes et brise eux. Voici le passage de l'Ancien Testament :

15 Alors Moïse se retourna et descendit de la montagne. Il tenait dans ses mains les deux tablettes de pierre sur lesquelles étaient inscrits les termes de l'alliance. Ils étaient inscrits sur les deux faces, recto et verso.
16 Ces tablettes de pierre étaient l'œuvre de Dieu, les mots qui s'y rapportaient ont été écrits par Dieu lui-même.
17 Lorsque Josué entendit le bruit du peuple criant en dessous d'eux, il s'écria à Moïse : " On dirait qu'il y a une guerre dans le camp ! "
18 Mais Moïse répondit : « Non, ce n'est ni un cri de victoire ni un cri de défaite. C'est le son d'une fête.”
19 Lorsqu'ils arrivèrent près du camp, Moïse vit le veau et la danse. Dans une colère terrible, il jeta les tablettes de pierre au sol, les brisant au pied de la montagne.

Nous pouvons voir l'énergie refoulée du chiffre. La figure entière est chargée de pensée et d'énergie. Il n'est pas tout à fait clair à quel moment de l'histoire Michel-Ange nous montre, est-il sur le point de se mettre en colère après avoir vu les Israélites adorer le veau d'or ? Il a les tablettes avec les dix commandements sous son bras droit. Créer une silhouette assise intéressante n'est pas une chose facile à faire !

La figure 4a montre une figure assise sculptée par Donatello. Il manque vraiment la puissance et la vie de la sculpture de Michel-Ange, n'est-ce pas ?

Figure 4. (a) Donatello, St-Jean, marbre, env. 1408-15 (Museo dell’Opera del Duomo, Florence) (b)Moïse assis au tombeau

Pensez à la façon dont vous êtes assis en ce moment devant l'ordinateur. Peut-être que vos jambes sont croisées, comme les miennes au moment où j'écris ces lignes. Et si vous n'étiez pas devant l'ordinateur ? Et que faire des mains ? Vous pouvez voir que cela pourrait être une position plutôt inintéressante. Pourtant, le Moïse de Michel-Ange a de l'énergie et du mouvement dans toute la figure. (Regardez la figure 4b.)

Tout d'abord, vous verrez que Moïse n'est pas simplement assis, sa jambe gauche est tirée en arrière sur le côté de sa chaise comme s'il était sur le point de se lever. Et parce que cette jambe est tirée en arrière, ses hanches sont également tournées vers la gauche. Michel-Ange, pour créer une figure intéressante et énergique où les forces de la vie pulsent dans tout le corps, tire le torse dans la direction opposée. Et donc son torse fait face à sa droite. Et parce que le torse est tourné vers la droite, Moïse tourne la tête vers la gauche, puis tire sa barbe vers la droite.

Michel-Ange a créé une figure où une partie du corps tourne dans la direction opposée à une autre partie. Cela crée une figure dynamique - nous avons une idée claire du prophète et de son devoir d'accomplir les souhaits de Dieu. Vous avez probablement remarqué que Moïse a des cornes. Cela vient d'une erreur de traduction d'un mot hébreu qui décrivait Moïse comme ayant des rayons de lumière venant de sa tête.


Florence Pietà, entre 1547 et 1553, Museo dell'Opera del Duomo, Florence

La Pietà de Florence (également connue sous le nom de Descente de Croix ou Pietà del Duomo) est une sculpture en marbre inachevée située dans le Museo dell'Opera del Duomo, à Florence. La statue, sur laquelle Michel-Ange a travaillé entre 1547 et 1553, était destinée par lui à son propre monument funéraire dans la basilique Santa Maria Maggiore à Rome, mais n'y a jamais abouti.

L'artiste lui-même a brisé la statue de rage lorsqu'au cours des travaux, il est devenu évident que le marbre n'était pas en bon état. En conséquence, la jambe gauche de la figure du Christ est toujours manquante. Un élève de Michel-Ange, Tiberio Calcagni, a restauré l'œuvre, et a ajouté la figure de Marie-Madeleine sur la gauche.


Michel-Ange est né

Michelangelo Buonarroti, le plus grand des artistes italiens de la Renaissance, est né dans le petit village de Caprese le 6 mars 1475. Fils d'un administrateur du gouvernement, il a grandi à Florence, un centre du mouvement de la première Renaissance, et est devenu un artiste& # x2019s apprenti à l'âge de 13 ans. Démontrant un talent évident, il a été pris sous l'aile de Lorenzo de&# x2019 Médicis, le souverain de la république florentine et un grand mécène des arts. Pendant deux ans à partir de 1490, il vécut dans le palais des Médicis, où il fut l'élève du sculpteur Bertoldo di Giovanni et étudia la collection d'art des Médicis, qui comprenait la statuaire romaine antique.

Avec l'expulsion de la famille Médicis de Florence en 1494, Michel-Ange s'est rendu à Bologne et à Rome, où il a été chargé de faire plusieurs travaux. Son œuvre de jeunesse la plus importante fut la Pietà (1498), une sculpture basée sur un type traditionnel d'image de dévotion qui montrait le corps du Christ sur les genoux de la Vierge Marie. Faisant preuve d'une maîtrise technique magistrale, il a extrait les deux figures parfaitement équilibrées du Pietà à partir d'un seul bloc de marbre.

Avec le succès de la Pietà, l'artiste a été chargé de sculpter une statue monumentale du personnage biblique David pour la cathédrale de Florence. La statue de 17 pieds, produite dans le style classique, démontre l'artiste&# x2019s connaissance exhaustive de l'anatomie humaine et de la forme. Dans l'œuvre, David regarde l'approche de son ennemi Goliath, avec chaque muscle tendu et une pose suggérant un mouvement imminent. À la fin de David en 1504, la réputation de Michelangelo&# x2019 était solidement établie.

Cette année-là, il a accepté de peindre une peinture murale pour l'hôtel de ville de Florence pour se reposer à côté d'une peinte par Léonard de Vinci, un autre artiste majeur de la Renaissance et une influence sur Michel-Ange. Ces peintures murales, qui représentaient des scènes militaires, n'ont pas survécu. En 1505, il a commencé à travailler sur un groupe prévu de 12 apôtres en marbre pour la cathédrale de Florence, mais a abandonné le projet lorsqu'il a été chargé de concevoir et de sculpter une tombe massive pour le pape Jules II dans la basilique Saint Pierre&# x2019s à Rome. Il devait y avoir 40 sculptures faites pour le tombeau, mais le pape a rapidement manqué de fonds pour le projet et Michel-Ange a quitté Rome.

En 1508, il est rappelé à Rome pour peindre le plafond de la chapelle Sixtine, le principal espace consacré au Vatican. Les fresques épiques du plafond de Michel-Ange, qui ont duré plusieurs années, sont parmi ses œuvres les plus mémorables. Au centre d'un système complexe de décoration comportant de nombreuses figures se trouvent neuf panneaux consacrés à l'histoire biblique du monde. Le plus célèbre d'entre eux est La création d'Adam, une peinture dans laquelle les bras de Dieu et d'Adam sont tendus l'un vers l'autre.

En 1512, Michel-Ange a terminé le plafond de la Chapelle Sixtine et est revenu à son travail sur le pape Jules II&# x2019s tombe. Il a finalement terminé un total de trois statues pour le tombeau, qui a finalement été placé dans l'église de San Pietro in Vincoli. Le plus remarquable des trois est Moïse (1513-15), une statue majestueuse faite d'un bloc de marbre considéré comme inmalléable par d'autres sculpteurs. Dans Moïse, un péché David, Michel-Ange a insufflé à la pierre un puissant sentiment de tension et de mouvement.

Après avoir révolutionné la sculpture et la peinture européennes, Michel-Ange s'est tourné vers l'architecture dans la seconde moitié de sa vie. Sa première grande réalisation architecturale fut la chapelle des Médicis dans l'église de San Lorenzo à Florence, construite pour abriter les tombes des deux jeunes héritiers de la famille Médicis récemment décédés. La chapelle, à laquelle il a travaillé jusqu'en 1534, présentait de nombreuses formes architecturales innovantes basées sur des modèles classiques. La Bibliothèque Laurentienne, qu'il a construite en annexe de la même église, se distingue par son hall d'escalier, connu sous le nom de ricetto, qui est considéré comme le premier exemple de maniérisme en tant que style architectural. Le maniérisme, successeur du mouvement artistique de la Renaissance, a subverti les formes classiques harmonieuses au profit de l'expressivité.

En 1534, Michel-Ange quitte Florence pour la dernière fois et se rend à Rome, où il travaillera et vivra pour le reste de sa vie. Cette année-là, sa peinture du Le Jugement dernier sur un mur au-dessus de l'autel de la chapelle Sixtine pour le pape Paul III. La peinture massive dépeint le Christ&# x2019s damnation des pécheurs et bénédiction des vertueux, et est considéré comme un chef-d'œuvre du maniérisme précoce. Au cours des trois dernières décennies de sa vie, Michel-Ange a prêté ses talents à la conception de nombreux monuments et bâtiments pour Rome, que le pape et les dirigeants de la ville étaient déterminés à restituer à la grandeur de son passé antique. La place du Capitole et le dôme de Saint Pierre&# x2019s, conçu par Michel-Ange mais pas achevé de son vivant, restent deux des monuments visuels les plus célèbres de Rome&# x2019.

Michel-Ange a travaillé jusqu'à sa mort en 1564 à l'âge de 88 ans. En plus de ses œuvres artistiques majeures, il a produit de nombreuses autres sculptures, fresques, conceptions architecturales et dessins, dont beaucoup sont inachevés et certains sont perdus. Il était aussi un poète accompli, et quelque 300 de ses poèmes sont conservés. De son vivant, il a été célébré comme le plus grand artiste vivant d'Europe, et aujourd'hui il est considéré comme l'un des plus grands artistes de tous les temps, aussi exalté dans les arts visuels que William Shakespeare est en littérature ou Ludwig van Beethoven est en musique .


Niveau A : Michel-Ange, Moïse

Quand Michel-Ange a fini de sculpter David, il était clair qu'il s'agissait probablement de la plus belle figure jamais créée, dépassant même la beauté des sculptures grecques et romaines antiques. Mot de David atteint le pape Jules II à Rome, et il a demandé à Michel-Ange de venir à Rome pour travailler pour lui. La première œuvre commandée par le pape Jules II à Michel-Ange était un tombeau pour le pape.

Cela peut nous sembler un peu étrange aujourd'hui, mais de grands dirigeants à travers l'histoire ont prévu des tombes fabuleuses pour eux-mêmes de leur vivant - ils espéraient s'assurer qu'on se souviendrait d'eux pour toujours.

Michel-Ange, dessin pour la tombe du pape Jules II, ch. 1505, plume et encre (Galleria degli Uffizi, Florence)

Lorsque Michel-Ange a commencé le Tombeau du pape Jules II, ses idées étaient assez ambitieuses. Il a prévu une structure à deux étages décorée de plus de 20 sculptures, chacune grandeur nature. C'était plus qu'une personne pouvait faire dans sa vie.

Michel-Ange, Tombeau du pape Jules II, 1505-1545, marbre (San Pietro in Vincoli, Rome (photo : Jean-Christophe BENOIST, CC BY 3.0)

Le pape Jules II a demandé à Michel-Ange de suspendre son travail sur la tombe pour peindre le plafond de la chapelle Sixtine et il n'a jamais pu terminer son plan pour la tombe. Après avoir rencontré des problèmes avec les héritiers de Jules, Michel-Ange a finalement achevé une version beaucoup plus réduite de la tombe, qui a été installée à San Pietro in Vincoli (et non dans la basilique Saint-Pierre comme prévu).

Moïse

Moïse est une silhouette imposante – il mesure près de huit pieds de haut assis ! Il a d'énormes bras musclés et un regard furieux et intense dans ses yeux. Sous ses bras, il porte les tablettes de la loi, les pierres gravées des Dix Commandements qu'il vient de recevoir de Dieu sur le mont Sinaï. Vous pourriez vous émerveiller devant les cornes de Moïse. Cela vient d'une erreur de traduction d'un mot hébreu qui décrivait Moïse comme ayant des rayons de lumière venant de sa tête.

Moïse (détail), Michel-Ange, Tombeau du pape Jules II, ch. 1513-1515, marbre, 235 cm (San Pietro in Vincoli, Rome)

Michel-Ange, Moïse du Tombeau du pape Jules II, ch. 1513-1515, marbre, 235 cm (San Pietro in Vincoli, Rome)

Dans cette histoire du livre de l'Ancien Testament de l'Exode, Moïse quitte les Israélites, qu'il vient de délivrer de l'esclavage en Égypte, pour se rendre au sommet du mont Sinaï. À son retour, il découvre que les Israélites ont construit un veau d'or pour adorer et faire des sacrifices. Ils ont, en d'autres termes, agi comme les Égyptiens et adoré une idole païenne.

L'un des commandements reçus par Moïse est "Tu ne feras aucune image taillée", alors quand Moïse voit les Israélites adorer cette idole et trahir le seul et unique Dieu qui vient de les délivrer de l'esclavage, il jette les tablettes et les brise. Voici le passage de la Bible hébraïque :

Alors Moïse se retourna et descendit de la montagne. Il tenait dans ses mains les deux tablettes de pierre sur lesquelles étaient inscrits les termes de l'alliance. Ils étaient inscrits sur les deux faces, recto et verso. Ces tablettes de pierre étaient l'œuvre de Dieu, les mots sur elles ont été écrits par Dieu lui-même. Lorsque Josué a entendu le bruit des gens crier en dessous d'eux, il s'est exclamé à Moïse : « On dirait qu'il y a une guerre dans le camp ! » Mais Moïse a répondu : « Non, ce n'est pas non plus un cri de victoire. ni un cri de défaite. C'est le son d'une fête. Lorsqu'ils arrivèrent près du camp, Moïse vit le veau et la danse. Dans une colère terrible, il jeta les tablettes de pierre au sol, les brisant au pied de la montagne. (Exode 32 : 15-19)

Nous pouvons voir l'énergie refoulée du chiffre. La figure entière est chargée de pensée et d'énergie. Il n'est pas tout à fait clair à quel moment de l'histoire Michel-Ange nous montre. Moïse est assis avec les tables des dix commandements sous son bras droit. Est-il sur le point de se mettre en colère après avoir vu les Israélites adorer le veau d'or ?

Michel-Ange, Moïse du Tombeau du pape Jules II, ch. 1513-1515, marbre, 235 cm (San Pietro in Vincoli, Rome)

Moïse n'est pas simplement assis, sa jambe gauche est tirée vers le côté de sa chaise comme s'il était sur le point de se lever. Et parce que cette jambe est tirée en arrière, ses hanches sont également tournées vers la gauche. Michel-Ange, pour créer une figure intéressante et énergique - où les forces de la vie pulsent dans tout le corps - tire le torse dans la direction opposée. Et donc son torse fait face à sa droite. Et parce que le torse est tourné vers la droite, Moïse tourne la tête vers la gauche, puis tire sa barbe vers la droite.

Michel-Ange a réussi à créer une silhouette intense et énergique même si Moïse est assis. Alors que le marbre lui-même est immobile, il semble que sa barbe bouge et coule et que ses bras musclés et son torse soient sur le point de bouger.

Donatello, St-Jean, ch. 1408-15, marbre (Museo dell’Opera del Duomo, Florence)

En comparant Michelangelo’s Moïse à une sculpture du début de la Renaissance de Donatello, il est facile de voir la différence entre les idéaux du début et de la haute Renaissance. La silhouette décontractée de Donatello St-Jean manque vraiment de la puissance et de la vie de la sculpture de Michel-Ange. Pensez à la façon dont vous êtes assis en ce moment devant l'ordinateur. Peut-être que vos jambes sont croisées, comme les miennes au moment où j'écris ces lignes. Et si vous n'étiez pas devant l'ordinateur ? Et que faire des mains ? Vous pouvez voir que cela pourrait être une position plutôt inintéressante. Pourtant, Michel-Ange a donné de l'énergie et du mouvement à toute la figure, même en position assise.

Dans la figure dynamique de Michel-Ange Moïse nous avons un sens clair du prophète et de son devoir d'accomplir les souhaits de Dieu. Moïse n'est pas une figure passive du passé biblique lointain, mais une figure vivante, respirante et présente qui reflète la volonté et la puissance de Dieu.


La raison bizarre de Michel-Ange Moïse A des cornes

Si jamais vous visitez la basilique Saint-Pierre à Rome, vous verrez probablement le tombeau du pape Jules II, une structure ornée qui comprend l'une des sculptures les plus célèbres de Michel-Ange : sa représentation de Moïse. Largement considérée comme l'une des œuvres d'art les plus frappantes au monde, la pièce représente le législateur biblique assis, tenant les Dix Commandements et regardant au loin avec un regard intense, apparemment à l'idolâtrie israélienne du veau d'or. Soi-disant, après avoir terminé la figure de marbre, le sculpteur lui a frappé le genou avec un marteau et lui a ordonné : "Maintenant, parlez !" (mais en italien, cela sonnait donc plus sexy), annonçant ainsi que la seule façon dont cette figure pouvait être plus réaliste est s'il était réellement vivant. À la lumière de la popularité persistante de l'œuvre, les mots semblent presque prophétiques : les gens voyagent encore du monde entier pour s'émerveiller de la douceur de Moïse’ barbe et vêtements, les détails de sa peau et de ses muscles, et l'émotion brute dans ses yeux.

Pendant plusieurs siècles, si vous vouliez vous assurer que le spectateur sache que vous sculptiez Moïse, vous lui donniez des cornes. Bizarre, non ? Et aussi sa paire de cornes plutôt farfelue.

C'est vrai. Malgré toute sa majesté, la statue possède une paire de cornes plutôt tristes, d'aspect souple, du genre que vous pourriez vous attendre à voir sur un bébé chèvre, ou quelque chose du genre. Et ce n'est en fait pas très unique à cet égard - l'image d'un Moïse cornu est assez courante dans l'iconographie médiévale occidentale, au point que les cornes sont presque aussi étroitement associées à Moïse que les Dix Commandements. Pendant plusieurs siècles, si vous vouliez vous assurer que le spectateur sache que vous sculptiez Moïse, vous lui donniez des cornes. Bizarre, non ?

Tout remonte à l'hébreu ancien, qui, comme beaucoup de langues anciennes, n'avait pas assez de mots pour tout ce dont les auteurs de la Bible voulaient parler (pas comme aujourd'hui où nous avons de très bons mots, les meilleurs mots, tout le monde le dit). Plus précisément, il n'y avait pas de mot pour un rayon de lumière, ainsi la plupart des auteurs bibliques ont utilisé le mot hébreu pour Corne, parce que la forme d'un rayon de lumière est un peu, en quelque sorte, comme la forme d'une corne, je suppose. Ainsi, dans Exode chapitre 34, après avoir passé plusieurs jours sur le mont Sinaï, prenant la dictée de Dieu des Dix Commandements, le visage de Moïse est décrit comme étant « à cornes ». Les écrivains du troisième siècle – avant JC Septante, la traduction grecque antique de l'Ancien Testament, a compris l'essentiel et a rendu le mot comme glorifié— c'est-à-dire briller de la gloire de Dieu — mais alors saint Jérôme a dû venir 700 ans plus tard et tout foutre en l'air.

Jérôme, si vous n'êtes pas familier, était l'un des premiers érudits de l'Église, principalement connu pour avoir composé la "Vulgate", une première traduction latine de la Bible. Le monde de Jérôme était celui où les chrétiens de la moitié orientale de l'Empire romain, qui parlaient principalement le grec, disposaient des versions grecques de l'Ancien et du Nouveau Testament, mais les chrétiens occidentaux, qui parlaient principalement le latin, n'avaient pas de Bible. ils pouvaient facilement lire et comprendre. Il prit donc sur lui de traduire la Bible dans le vulgaire (c.

Malheureusement pour Moïse, cependant, Jérôme a traduit l'Ancien Testament directement de l'hébreu en latin, contournant entièrement la Septante - et parce que l'hébreu disait "cornes", "les cornes" étaient ce qui entrait dans la Vulgate. Certains historiens ont prétendu qu'il s'agissait d'une erreur de la part de Jérôme, mais d'autres écrits de Jérôme, en particulier son commentaire sur Ézéchiel, suggèrent qu'il a réellement compris ce que l'hébreu voulait dire. Pourquoi il a choisi de ne pas le clarifier dans sa traduction est une supposition de tout le monde.

Et ainsi, pendant les douze siècles suivants, Moïse avait des cornes.

Vous vous demandez peut-être comment représenter l'un des personnages clés de la Bible comme ayant des cornes – une caractéristique communément associée au diable – a pu devenir si populaire. La réponse est que les cornes n'étaient pas réellement associées au diable jusqu'à assez récemment. Les Écritures elles-mêmes offrent peu ou pas de descriptions visuelles de Satan, et quelles est il y mentionne rarement des cornes (la principale exception étant le Livre de l'Apocalypse, qui le dépeint comme un dragon à 10 cornes). Les artistes anciens et médiévaux ont illustré Satan de diverses manières, mais il a fallu attendre le début de la Renaissance pour qu'il fasse germer une paire de cornes, qui étaient apparemment empruntées, à l'origine, à des représentations de divers dieux païens.

Bien sûr, une fois Satan et Moïse étaient représentés avec des cornes, pour des raisons complètement différentes, divers antisémites ont sauté sur la coïncidence comme preuve que les Juifs étaient secrètement sataniques (“Voir. Le fondateur du judaïsme est cornu, juste comme Satan. ”). Il y avait évidemment environ mille choses qui n'allaient pas avec cet argument, pas la moindre d'entre elles que les chrétiens vénèrent Moïse tout autant que les juifs, mais comme nous le savons tous, la stupidité d'une idée est rarement un obstacle à sa popularité. Pendant ce temps, pendant la majeure partie de l'histoire, les cornes étaient un symbole assez neutre en Occident et au Moyen-Orient - en fait, elles sont utilisées dans tout l'Ancien Testament comme symbole de force - souvent spécifiquement Divin force (par exemple, dans le Psaume 148 :14 : « Il a élevé une corne pour son peuple »).

Fait intéressant, cependant, au moment où Michel-Ange travaillait sur la tombe de Jules II, il était assez largement connu que l'idée d'un Moïse cornu provenait d'une traduction trop littérale. Ce qui, bien sûr, soulève la question de savoir pourquoi Michel-Ange a choisi de représenter son Moïse avec des cornes de toute façon. Il est possible qu'il l'ait fait entièrement par tradition, mais certains historiens ont également émis l'hypothèse qu'il l'a fait comme un dernier coup au pape Jules, avec qui il s'est querellé sans cesse, malgré le fait que Julius avait été de loin son plus grand mécène. (En fait, personne ne s'entendait vraiment avec Julius - le gars était un talon qui, comme de nombreux papes médiévaux et de la Renaissance, était beaucoup plus intéressé par la conquête militaire que par la théologie ou la direction de l'église.) Si c'était le cas, ce ne serait pas la première fois. Michel-Ange avait encodé le mépris pour le pape dans son art. Le plafond de la chapelle Sixtine, le premier projet de Michel-Ange commandé par Julius, comprend un chérubin faisant un geste obscène, et la peinture murale de Michel-Ange de Le Jugement dernier représente la bouche de l'enfer s'ouvrant directement derrière l'autel. La subtilité n'était pas l'un des points forts de Michel-Ange.

Et ainsi, Moïse, qui dans la vie a partagé tant de la gloire de Dieu que son visage brillait de majesté, a obtenu sa ressemblance la plus durable gravée avec une paire de cornes tristes et souples, en partie parce que saint Jérôme était un peu négligent avec son Traduction de la Bible et en partie parce que Michel-Ange l'avait pour le gars dont il était en train de sculpter la tombe.


La conversion de Saul de Michel-Ange

La Conversion de Saul est une fresque réalisée par Michelangelo Buonarroti entre 1542 et 1545. La peinture peut être vue à Cappella Paolina, Palais du Vatican, dans la Cité du Vatican, Rome. La fresque suivante peinte par l'artiste italien était La Crucifixion de Saint-Pierre.


Contenu

Première vie, 1475-1488

Michel-Ange est né le 6 mars 1475 [a] à Caprese, connu aujourd'hui sous le nom de Caprese Michelangelo, une petite ville située à Valtiberina, [9] près d'Arezzo, en Toscane. [10] Pendant plusieurs générations, sa famille avait été des banquiers à petite échelle à Florence mais la banque a échoué et son père, Ludovico di Leonardo Buonarroti Simoni, a brièvement pris un poste gouvernemental à Caprese, où Michel-Ange est né. [2] Au moment de la naissance de Michel-Ange, son père était administrateur judiciaire de la ville et podestà ou administrateur local de Chiusi della Verna. Michelangelo's mother was Francesca di Neri del Miniato di Siena. [11] The Buonarrotis claimed to descend from the Countess Mathilde of Canossa—a claim that remains unproven, but which Michelangelo believed. [12]

Several months after Michelangelo's birth, the family returned to Florence, where he was raised. During his mother's later prolonged illness, and after her death in 1481 (when he was six years old), Michelangelo lived with a nanny and her husband, a stonecutter, in the town of Settignano, where his father owned a marble quarry and a small farm. [11] There he gained his love for marble. As Giorgio Vasari quotes him:

If there is some good in me, it is because I was born in the subtle atmosphere of your country of Arezzo. Along with the milk of my nurse I received the knack of handling chisel and hammer, with which I make my figures. [dix]

Apprenticeships, 1488–1492

As a young boy, Michelangelo was sent to Florence to study grammar under the Humanist Francesco da Urbino. [10] [13] [b] However, he showed no interest in his schooling, preferring to copy paintings from churches and seek the company of other painters. [13]

The city of Florence was at that time Italy's greatest centre of the arts and learning. [14] Art was sponsored by the Signoria (the town council), the merchant guilds, and wealthy patrons such as the Medici and their banking associates. [15] The Renaissance, a renewal of Classical scholarship and the arts, had its first flowering in Florence. [14] In the early 15th century, the architect Filippo Brunelleschi, having studied the remains of Classical buildings in Rome, had created two churches, San Lorenzo's and Santo Spirito, which embodied the Classical precepts. [16] The sculptor Lorenzo Ghiberti had laboured for fifty years to create the bronze doors of the Baptistry, which Michelangelo was to describe as "The Gates of Paradise". [17] The exterior niches of the Church of Orsanmichele contained a gallery of works by the most acclaimed sculptors of Florence: Donatello, Ghiberti, Andrea del Verrocchio, and Nanni di Banco. [15] The interiors of the older churches were covered with frescos (mostly in Late Medieval, but also in the Early Renaissance style), begun by Giotto and continued by Masaccio in the Brancacci Chapel, both of whose works Michelangelo studied and copied in drawings. [18]

During Michelangelo's childhood, a team of painters had been called from Florence to the Vatican to decorate the walls of the Sistine Chapel. Among them was Domenico Ghirlandaio, a master in fresco painting, perspective, figure drawing and portraiture who had the largest workshop in Florence. [15] In 1488, at age 13, Michelangelo was apprenticed to Ghirlandaio. [19] The next year, his father persuaded Ghirlandaio to pay Michelangelo as an artist, which was rare for someone of fourteen. [20] When in 1489, Lorenzo de' Medici, de facto ruler of Florence, asked Ghirlandaio for his two best pupils, Ghirlandaio sent Michelangelo and Francesco Granacci. [21]

From 1490 to 1492, Michelangelo attended the Platonic Academy, a Humanist academy founded by the Medici. There, his work and outlook were influenced by many of the most prominent philosophers and writers of the day, including Marsilio Ficino, Pico della Mirandola and Poliziano. [22] At this time, Michelangelo sculpted the reliefs Madonna of the Steps (1490–1492) and Battle of the Centaurs (1491–1492), [18] the latter based on a theme suggested by Poliziano and commissioned by Lorenzo de' Medici. [23] Michelangelo worked for a time with the sculptor Bertoldo di Giovanni. When he was seventeen, another pupil, Pietro Torrigiano, struck him on the nose, causing the disfigurement that is conspicuous in the portraits of Michelangelo. [24]

Bologna, Florence and Rome, 1492–1499

Lorenzo de' Medici's death on 8 April 1492 brought a reversal of Michelangelo's circumstances. [25] Michelangelo left the security of the Medici court and returned to his father's house. In the following months he carved a polychrome wooden Crucifix (1493), as a gift to the prior of the Florentine church of Santo Spirito, which had allowed him to do some anatomical studies of the corpses from the church's hospital. [26] This was the first of several instances during his career that Michelangelo studied anatomy by dissecting cadavers. [27] [28]

Between 1493 and 1494 he bought a block of marble, and carved a larger-than-life statue of Hercules, which was sent to France and subsequently disappeared sometime in the 18th century. [23] [c] On 20 January 1494, after heavy snowfalls, Lorenzo's heir, Piero de Medici, commissioned a snow statue, and Michelangelo again entered the court of the Medici. [29]

In the same year, the Medici were expelled from Florence as the result of the rise of Savonarola. Michelangelo left the city before the end of the political upheaval, moving to Venice and then to Bologna. [25] In Bologna, he was commissioned to carve several of the last small figures for the completion of the Shrine of St. Dominic, in the church dedicated to that saint. At this time Michelangelo studied the robust reliefs carved by Jacopo della Quercia around the main portal of the Basilica of St Petronius, including the panel of The Creation of Eve, the composition of which was to reappear on the Sistine Chapel ceiling. [30] Towards the end of 1495, the political situation in Florence was calmer the city, previously under threat from the French, was no longer in danger as Charles VIII had suffered defeats. Michelangelo returned to Florence but received no commissions from the new city government under Savonarola. [31] He returned to the employment of the Medici. [32] During the half-year he spent in Florence, he worked on two small statues, a child St. John the Baptist and a sleeping Cupidon. According to Condivi, Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici, for whom Michelangelo had sculpted St. John the Baptist, asked that Michelangelo "fix it so that it looked as if it had been buried" so he could "send it to Rome . pass [it off as] an ancient work and . sell it much better." Both Lorenzo and Michelangelo were unwittingly cheated out of the real value of the piece by a middleman. Cardinal Raffaele Riario, to whom Lorenzo had sold it, discovered that it was a fraud, but was so impressed by the quality of the sculpture that he invited the artist to Rome. [33] [d] This apparent success in selling his sculpture abroad as well as the conservative Florentine situation may have encouraged Michelangelo to accept the prelate's invitation. [32] Michelangelo arrived in Rome on 25 June 1496 [34] at the age of 21. On 4 July of the same year, he began work on a commission for Cardinal Riario, an over-life-size statue of the Roman wine god Bacchus. Upon completion, the work was rejected by the cardinal, and subsequently entered the collection of the banker Jacopo Galli, for his garden.

In November 1497, the French ambassador to the Holy See, Cardinal Jean de Bilhères-Lagraulas, commissioned him to carve a Pietà, a sculpture showing the Virgin Mary grieving over the body of Jesus. The subject, which is not part of the Biblical narrative of the Crucifixion, was common in religious sculpture of Medieval Northern Europe and would have been very familiar to the Cardinal. [35] The contract was agreed upon in August of the following year. Michelangelo was 24 at the time of its completion. [35] It was soon to be regarded as one of the world's great masterpieces of sculpture, "a revelation of all the potentialities and force of the art of sculpture". Contemporary opinion was summarised by Vasari: "It is certainly a miracle that a formless block of stone could ever have been reduced to a perfection that nature is scarcely able to create in the flesh." [36] It is now located in St Peter's Basilica.

Florence, 1499–1505

Michelangelo returned to Florence in 1499. The republic was changing after the fall of its leader, anti-Renaissance priest Girolamo Savonarola, who was executed in 1498, and the rise of the gonfaloniere Piero Soderini. Michelangelo was asked by the consuls of the Guild of Wool to complete an unfinished project begun 40 years earlier by Agostino di Duccio: a colossal statue of Carrara marble portraying David as a symbol of Florentine freedom to be placed on the gable of Florence Cathedral. [37] Michelangelo responded by completing his most famous work, the statue of David, in 1504. The masterwork definitively established his prominence as a sculptor of extraordinary technical skill and strength of symbolic imagination. A team of consultants, including Botticelli, Leonardo da Vinci, Filippino Lippi, Pietro Perugino, Lorenzo di Credi, Antonio and Giuliano da Sangallo, Andrea della Robbia, Cosimo Rosselli, Davide Ghirlandaio, Piero di Cosimo, Andrea Sansovino and Michelangelo's dear friend Francesco Granacci, was called together to decide upon its placement, ultimately the Piazza della Signoria, in front of the Palazzo Vecchio. It now stands in the Academia while a replica occupies its place in the square. [38] In the same period of placing the David, Michelangelo may have been involved in creating the sculptural profile on Palazzo Vecchio's façade known as the Importuno di Michelangelo. The hypothesis [39] on Michelangelo's possible involvement in the creation of the profile is based on the strong resemblance of the latter to a profile drawn by the artist, datable to the beginning of the 16th century, now preserved in the Louvre. [40]

With the completion of the David came another commission. In early 1504 Leonardo da Vinci had been commissioned to paint The Battle of Anghiari in the council chamber of the Palazzo Vecchio, depicting the battle between Florence and Milan in 1440. Michelangelo was then commissioned to paint the Battle of Cascina. The two paintings are very different: Leonardo depicts soldiers fighting on horseback, while Michelangelo has soldiers being ambushed as they bathe in the river. Neither work was completed and both were lost forever when the chamber was refurbished. Both works were much admired, and copies remain of them, Leonardo's work having been copied by Rubens and Michelangelo's by Bastiano da Sangallo. [41]

Also during this period, Michelangelo was commissioned by Angelo Doni to paint a "Holy Family" as a present for his wife, Maddalena Strozzi. It is known as the Doni Tondo and hangs in the Uffizi Gallery in its original magnificent frame, which Michelangelo may have designed. [42] [43] He also may have painted the Madonna and Child with John the Baptist, known as the Manchester Madonna and now in the National Gallery, London. [44]

Tomb of Julius II, 1505-1545

In 1505 Michelangelo was invited back to Rome by the newly elected Pope Julius II and commissioned to build the Pope's tomb, which was to include forty statues and be finished in five years. [45] Under the patronage of the pope, Michelangelo experienced constant interruptions to his work on the tomb in order to accomplish numerous other tasks. Although Michelangelo worked on the tomb for 40 years, it was never finished to his satisfaction. [45] It is located in the Church of San Pietro in Vincoli in Rome and is most famous for the central figure of Moses, completed in 1516. [46] Of the other statues intended for the tomb, two, known as the Rebellious Slave et le Dying Slave, are now in the Louvre. [45]

Sistine Chapel ceiling, 1505-1512

During the same period, Michelangelo painted the ceiling of the Sistine Chapel, [49] which took approximately four years to complete (1508–1512). [46] According to Condivi's account, Bramante, who was working on the building of St. Peter's Basilica, resented Michelangelo's commission for the pope's tomb and convinced the pope to commission him in a medium with which he was unfamiliar, in order that he might fail at the task. [50] Michelangelo was originally commissioned to paint the Twelve Apostles on the triangular pendentives that supported the ceiling, and to cover the central part of the ceiling with ornament. [51] Michelangelo persuaded Pope Julius to give him a free hand and proposed a different and more complex scheme, [47] [48] representing the Creation, the Fall of Man, the Promise of Salvation through the prophets, and the genealogy of Christ. The work is part of a larger scheme of decoration within the chapel that represents much of the doctrine of the Catholic Church. [51]

The composition stretches over 500 square metres of ceiling [52] and contains over 300 figures. [51] At its centre are nine episodes from the Book of Genesis, divided into three groups: God's creation of the earth God's creation of humankind and their fall from God's grace and lastly, the state of humanity as represented by Noah and his family. On the pendentives supporting the ceiling are painted twelve men and women who prophesied the coming of Jesus, seven prophets of Israel, and five Sibyls, prophetic women of the Classical world. [51] Among the most famous paintings on the ceiling are The Creation of Adam, Adam and Eve in the Garden of Eden, the Deluge, the Prophet Jeremiah, and the Cumaean Sibyl.

Florence under Medici popes, 1513 – early 1534

In 1513, Pope Julius II died and was succeeded by Pope Leo X, the second son of Lorenzo de' Medici. [46] From 1513 to 1516 Pope Leo was on good terms with Pope Julius's surviving relatives, so encouraged Michelangelo to continue work on Julius's tomb, but the families became enemies again in 1516 when Pope Leo tried to seize the Duchy of Urbino from Julius's nephew Francesco Maria I della Rovere. [53] Pope Leo then had Michelangelo stop working on the tomb, and commissioned him to reconstruct the façade of the Basilica of San Lorenzo in Florence and to adorn it with sculptures. He spent three years creating drawings and models for the façade, as well as attempting to open a new marble quarry at Pietrasanta specifically for the project. In 1520 the work was abruptly cancelled by his financially strapped patrons before any real progress had been made. The basilica lacks a façade to this day. [54]

In 1520 the Medici came back to Michelangelo with another grand proposal, this time for a family funerary chapel in the Basilica of San Lorenzo. [46] For posterity, this project, occupying the artist for much of the 1520s and 1530s, was more fully realised. Michelangelo used his own discretion to create the composition of the Medici Chapel, which houses the large tombs of two of the younger members of the Medici family, Giuliano, Duke of Nemours, and Lorenzo, his nephew. It also serves to commemorate their more famous predecessors, Lorenzo the Magnificent and his brother Giuliano, who are buried nearby. The tombs display statues of the two Medici and allegorical figures representing Night et Jour, et Dusk et Aube. The chapel also contains Michelangelo's Medici Madonna. [55] In 1976 a concealed corridor was discovered with drawings on the walls that related to the chapel itself. [56] [57]

Pope Leo X died in 1521 and was succeeded briefly by the austere Adrian VI, and then by his cousin Giulio Medici as Pope Clement VII. [58] In 1524 Michelangelo received an architectural commission from the Medici pope for the Laurentian Library at San Lorenzo's Church. [46] He designed both the interior of the library itself and its vestibule, a building utilising architectural forms with such dynamic effect that it is seen as the forerunner of Baroque architecture. It was left to assistants to interpret his plans and carry out construction. The library was not opened until 1571, and the vestibule remained incomplete until 1904. [59]

In 1527, Florentine citizens, encouraged by the sack of Rome, threw out the Medici and restored the republic. A siege of the city ensued, and Michelangelo went to the aid of his beloved Florence by working on the city's fortifications from 1528 to 1529. The city fell in 1530, and the Medici were restored to power. [46] Michelangelo fell out of favour with the young Alessandro Medici, who had been installed as the first Duke of Florence. Fearing for his life, he fled to Rome, leaving assistants to complete the Medici chapel and the Laurentian Library. Despite Michelangelo's support of the republic and resistance to the Medici rule, he was welcomed by Pope Clement, who reinstated an allowance that he had previously granted the artist and made a new contract with him over the tomb of Pope Julius. [60]

Rome, 1534–1546

In Rome, Michelangelo lived near the church of Santa Maria di Loreto. It was at this time that he met the poet Vittoria Colonna, marchioness of Pescara, who was to become one of his closest friends until her death in 1547. [61]

Shortly before his death in 1534, Pope Clement VII commissioned Michelangelo to paint a fresco of The Last Judgement on the altar wall of the Sistine Chapel. His successor, Pope Paul III, was instrumental in seeing that Michelangelo began and completed the project, which he laboured on from 1534 to October 1541. [46] The fresco depicts the Second Coming of Christ and his Judgement of the souls. Michelangelo ignored the usual artistic conventions in portraying Jesus, showing him as a massive, muscular figure, youthful, beardless and naked. [62] He is surrounded by saints, among whom Saint Bartholomew holds a drooping flayed skin, bearing the likeness of Michelangelo. The dead rise from their graves, to be consigned either to Heaven or to Hell. [62]

Once completed, the depiction of Christ and the Virgin Mary naked was considered sacrilegious, and Cardinal Carafa and Monsignor Sernini (Mantua's ambassador) campaigned to have the fresco removed or censored, but the Pope resisted. At the Council of Trent, shortly before Michelangelo's death in 1564, it was decided to obscure the genitals and Daniele da Volterra, an apprentice of Michelangelo, was commissioned to make the alterations. [63] An uncensored copy of the original, by Marcello Venusti, is in the Capodimonte Museum of Naples. [64]

Michelangelo worked on a number of architectural projects at this time. They included a design for the Capitoline Hill with its trapezoid piazza displaying the ancient bronze statue of Marcus Aurelius. He designed the upper floor of the Palazzo Farnese and the interior of the Church of Santa Maria degli Angeli, in which he transformed the vaulted interior of an Ancient Roman bathhouse. Other architectural works include San Giovanni dei Fiorentini, the Sforza Chapel (Capella Sforza) in the Basilica di Santa Maria Maggiore and the Porta Pia. [65]

St Peter's Basilica, 1546–1564

While still working on the Last Judgement, Michelangelo received yet another commission for the Vatican. This was for the painting of two large frescos in the Cappella Paolina depicting significant events in the lives of the two most important saints of Rome, the Conversion of Saint Paul et le Crucifixion of Saint Peter. Comme le Last Judgement, these two works are complex compositions containing a great number of figures. [66] They were completed in 1550. In the same year, Giorgio Vasari published his Vita, including a biography of Michelangelo. [67]

In 1546, Michelangelo was appointed architect of St. Peter's Basilica, Rome. [46] The process of replacing the Constantinian basilica of the 4th century had been underway for fifty years and in 1506 foundations had been laid to the plans of Bramante. Successive architects had worked on it, but little progress had been made. Michelangelo was persuaded to take over the project. He returned to the concepts of Bramante, and developed his ideas for a centrally planned church, strengthening the structure both physically and visually. [68] The dome, not completed until after his death, has been called by Banister Fletcher, "the greatest creation of the Renaissance". [69]

As construction was progressing on St Peter's, there was concern that Michelangelo would pass away before the dome was finished. However, once building commenced on the lower part of the dome, the supporting ring, the completion of the design was inevitable.

On 7 December 2007, a red chalk sketch for the dome of St Peter's Basilica, possibly the last made by Michelangelo before his death, was discovered in the Vatican archives. It is extremely rare, since he destroyed his designs later in life. The sketch is a partial plan for one of the radial columns of the cupola drum of Saint Peter's. [70]


Why Even Some Jews Once Believed Moses Had Horns

"Moses" is a sculpture by the Italian High Renaissance artist Michelangelo Buonarroti, housed in the church of San Pietro in Vincoli in Rome Jörg Bittner Unna, Wikipedia

Famously, Michelangelo’s Moses has two horns protruding from his head. Clearly, the Renaissance genius, whose Moses is depicted holding the two Tablets of the Law, had in mind the account of Moses descending from Mount Sinai as recounted in Exodus 34:29. There, it says, at least according to the Latin translation, that Moses “et ignorabat quod cornuta esset facies sua,” that is,“did not know his face had become horned.”

It is often said that this is a simple matter of mistranslation, resulting from the fact that the Hebrew word for “horn,” “keren,” happens to be also the Hebrew word for a “ray of light.” But Saint Jerome, who made the translation called the Vulgate at the end of the 4th century, would not have made such a crude mistake. In fact we know he was aware that “karan,” the verb which he translated as “had become horned,” could also mean “had become radiant” he makes this clear in his commentary on the Book of Amos, written a few years later. This means that Jerome knew that the verse was understood as meaning Moses’ face glowed and was rendered as such in nearly all the ancient Greek and Aramaic translations. Only one Greek translation available to Jerome – that by the Jewish convert Aquila – understood “karan” to mean “had become horned,” but nonetheless, that is the definition the Christian scholar chose to go with.

Hence, Jerome must truly have believed that Moses came down from Mount Sinai with horns, and not radiant. Since Jerome was living in the Holy Land at the time and consulted with Jews when working on his translation, he must have been informed by them that Moses indeed had horns. This may be a bit hard to believe, but we in fact know that some Jews did believe that Moses was literally horned.

The belief in Moses’ literal horns was preserved in a number of poems written at roughly the same time that Jerome was at work on his translation. One example is a poem in Aramaic called, “The Lord Lowered the Sky to Sinai,” which has found its way into a number of Eastern European Jewish prayer books from the 16th and 17th centuries.

Michelangelo's Moses masterpiece inside St. Peter in Chains Basilica in Rome Associated Press

The poem is about the meeting between God and Moses atop Sinai and is written as if from the point of view of God. God tells Moses he has chosen him to lead his people and that he has endowed him with superpowers – including “fire-eating fire” and a special purple robe possessed of “virility” – that will allow him to combat evil angels. In one of the poem’s verses God tells Moses, “I placed horns of majesty on your head so that if an angel comes near, you will gore him with them.” In another poem, this one in Hebrew from 9th-century Ashkenaz, Moses taunts the angels, saying, "I will not descend, I will not descend, until I prove myself a hero, until I gore your bodies with my horns."

We can learn a bit more about this evil-fighting, superhero version of Moses from a text called “Spring of Wisdom,” which gives an account of Moses' battles against "the angels of destruction." In it, for example, Moses tells the angel Sammael, "I ascended and trod a path in the heavens. I took part in the war of the angels and received a fiery Torah. I dwelt under a fiery throne and sheltered under a fiery pillar, and I spoke with [God] face to face. I vanquished the celestial retinue and revealed their secrets to humankind. I received Torah from God's right hand and taught it to Israel."

It is clear, then, that at least some Jews believed that Moses had horns, but is that what Exodus 34:29 originally meant, or is this a later interpretation? This turns out to be a difficult question, and there are prominent scholars to be found on either side of the discussion. Those claiming that Moses was no more than radiant, point out that the literal meaning of the Hebrew is “the skin of his face was radiant,” and that no one would ever say that someone’s facial skin was horned. They also point out that the earliest translations understand the word as meaning “radiant.”

On the other hand, those claiming that the original intent of Exodus 34 was indeed to say that Moses came down from the mountain with horns, point out that elsewhere in the Bible, when “karan” is used as a verb, it always relates to horns. They also note that the scene in question follows the episode of the Golden Calf, which definitely had horns. There may be a great deal of divine bovine symbolism that is foreign to our modern conceptions of Moses and of divinity, but that may have been clearly understood by readers at the time the story was actually written down.

The Mesopotamian moon god Sin was often visualized as a bull whose horns were the moon’s rays of light, so that perhaps there is no contradiction and it is best to imagine Moses being both horned and radiant.

A detail of Michelangelo's Moses masterpiece inside St. Peter in Chains Basilica in Rome Associated Press


Voir la vidéo: Jovenel Moise et Michel-Ange Gédéon en tête à tête à la Direction Générale de la PNH