Le clip, avant la télévision musicale

Le clip, avant la télévision musicale

1895 : Le « premier » clip est tourné dans le studio de Thomas Edison

Le plus ancien film musical connu a été réalisé pour le Kinetophone, un appareil développé par le laboratoire de Thomas Edison qui montrait des images animées et était également équipé d'un phonographe. Dans le film, son inventeur, William Dickson, joue la musique d'une opérette populaire au violon alors que deux hommes dansent à ses côtés. La bande sonore a été enregistrée séparément sur un cylindre de cire qui a disparu pendant plusieurs décennies, a été retrouvée au site historique national d'Edison au début des années 1960 et a finalement été réunie avec l'image en 1998. Conçu principalement comme un test, le "Dickson Experimental Sound Film ", comme le clip est connu, n'a pas été publié, en partie parce que le Kinetophone n'a jamais séduit les consommateurs.

Début du 20e siècle : des chansons illustrées captent les yeux et les oreilles des cinéphiles

Introduites pour la première fois en 1894 comme un coup publicitaire pour la commercialisation de partitions musicales, les chansons illustrées consistaient en des images photographiques peintes en couleur et projetées à partir de lames de verre, parfois entrecoupées de séquences d'images animées silencieuses. Les spectateurs dans les maisons de vaudeville et les nickelodéons regardaient ces affichages visuels pendant que les pianistes et les chanteurs interprétaient la musique correspondante, généralement avant le début des films muets ou pendant les changements de bobine.

Années 1920 : le son sur film inaugure l'ère des courts métrages musicaux

En avril 1923, le Rivoli Theatre de New York présente les premiers films avec son sur film, un système qui synchronise les films et leurs bandes sonores. (« The Jazz Singer », le premier long métrage parlant de l'histoire du cinéma, serait créé en 1927 et utiliserait la même technologie.) De nombreuses premières productions sonores sur film présentaient des stars du vaudeville, des chanteurs d'opéra, des groupes et d'autres musiciens populaires ; connus sous le nom de courts métrages musicaux, ces clips ont été diffusés avant les longs métrages jusque dans les années 1940. Plus tard, au cours des années 1950, les courts métrages musicaux ont fait leur retour en tant que séquences de remplissage entre les téléfilms, qui n'étaient pas encore montés pour s'adapter aux plages horaires.

1925 : le public apprend à suivre la balle rebondissante

Un an après le début de leur série animée sonore sur film intitulée «Song-Car Tunes», les frères Max et David Fleischer ont sorti un dessin animé mettant en vedette une balle rebondissante, qui sautait sur les paroles pour encourager les chants en salle. Les dessins animés musicaux avec des balles rebondissantes sont devenus plus tard des éléments communs des programmes de télévision pour enfants.

1940-1946 : Soundies met des pièces dans des juke-box à travers les États-Unis

Précurseurs directs du clip, les soundies étaient des films de trois minutes présentant des performances musicales et de danse, conçus pour être diffusés sur des machines de projection de type juke-box dans les bars, restaurants et autres espaces publics. Beaucoup des plus grands talents de l'époque, des chanteurs de jazz et danseurs swing aux musiciens de chambre et comédiens, y sont apparus. Un autre type de juke-box visuel, connu sous le nom de Scopitone, est né en France à la fin des années 1950 et a connu un bref succès en Europe et aux États-Unis.

1959 : The Big Bopper invente le terme « vidéo musicale »

Selon certains historiens de la musique, le chanteur et compositeur Jiles Perry Richardson, qui s'appelait The Big Bopper, est devenu la première personne à utiliser l'expression « vidéo musicale » dans une interview de 1959 avec un magazine britannique. (Richardson est décédé la même année dans l'accident d'avion qui a également tué Buddy Holly et Ritchie Valens.) Le chanteur de "Chantilly Lace" est également crédité d'avoir réalisé certaines des premières vidéos rock connues en 1958.

Années 60 : les Beatles marient cinéma et musique

Peut-être plus que tout autre groupe avant eux, les Beatles ont exploité le pouvoir du film pour commercialiser leurs disques et s'exprimer en tant qu'artistes. En plus de jouer dans des longs métrages tels que "Help" et "A Hard Day's Night", les Fab Four ont enregistré des dizaines de clips promotionnels - certains avec des récits et d'autres composés en grande partie d'images psychédéliques - qui ont été diffusés dans leur Angleterre natale et à l'étranger. De nombreux groupes de rock and roll de la fin des années 1960 et des années 1970 ont suivi leur exemple, libérant des films promotionnels de plus en plus sophistiqués qui partageaient la programmation avec des performances en direct dans des émissions de variétés musicales télévisées.

1974 : L'Australie ouvre la voie avec « Countdown » et « Sounds »

Deux programmes musicaux hebdomadaires destinés aux adolescents ont été créés en Australie en 1974. Les deux mettaient en vedette des vidéoclips, dont certains ont été créés spécialement pour les spectacles. Comme "Countdown" et "Sounds" ont rapidement gagné un public dévoué, le format s'est répandu dans d'autres pays du monde. En 1978, trois ans avant que MTV ne soit diffusé sur les ondes, le programme américain « Video Concert Hall » a commencé à proposer plusieurs heures de clips musicaux non hébergés chaque jour sur USA Network.


Le clip, avant la télévision musicale :

Il y a plus de trente ans, MTV a été lancé le 1er août 1981. Pour certains, il pourrait être surprenant que le genre lui-même soit connu pour une chronologie beaucoup plus longue qui remonte à la fin du XIXe siècle. Elle a d'abord diffusé le célèbre The Buggles’ “Video Killed the Radio Star.” La chaîne a commencé comme un débouché permettant aux gens de promouvoir leurs vidéos, les maisons de disques s'intéressant progressivement à cet artiste et à sa musique.

La télédiffusion existe depuis la fin des années 1920, mais a commencé à se développer alors qu'une force culturelle a commencé quelques années après la Seconde Guerre mondiale. Certains réseaux de télévision tels que CBS, NBC et ABC ont besoin d'émissions pour remplir leurs heures d'antenne, ce qui a ensuite conduit à des performances respectées telles que le classique, le ballet et Broadway. La télévision voulait faire partie du mouvement de la culture pop, car les jeunes de cette époque l'écoutaient davantage. Il y avait une émission de danse l'après-midi en semaine qui a été diffusée sur la station locale de Philadelphie. Elle présentait des actes de musique populaire choisis par ABC, ce qui leur a permis de devenir national en août 1957, changeant son nom de Kiosque à musique en kiosque à musique américain. L'hôte de cette émission, Dick Clark, est finalement devenu l'un des visages les plus connus en Amérique, car le succès de l'émission a progressivement évolué dans le domaine des médias.

En 1948, The Ed Sullivan Show a été diffusé sur CBS à 20 heures le dimanche, mettant en vedette une variété d'actes et d'interprètes. Des artistes mémorables qui sont apparus dans l'émission, notamment Elvis Presley, Buddy Holly, The Beatles, The Rolling Stones, The Supremes et The Doors.


L'âge d'or de MTV - et oui, il y en avait un

Les VJ originaux : MTV a été lancé en 1981 avec une petite cache de vidéos de groupes britanniques pour la plupart inconnus et cinq VJ, ou vidéo jockeys : J.J. Jackson, Nina Blackwood, Mark Goodman, Martha Quinn et Alan Hunter. Avec l'aimable autorisation des réseaux MTV masquer la légende

"Mesdames et messieurs, rock'n'roll."

MTV est passé à l'antenne avec ces mots, une minute après minuit le 1er août 1981. La première vidéo était, bien sûr, "Video Killed the Radio Star", des Buggles.

Peu de gens ont vu le réseau naissant qu'il était porté par des câblo-opérateurs à Kansas City, mais pas à New York ou à Los Angeles. Mais en quelques années, MTV est devenu un géant de l'industrie musicale.

Cyndi Lauper, Mick Jagger, Pat Benatar et David Bowie sont quelques-uns des musiciens présentés dans la campagne "I Want My MTV" de 1982 de la chaîne. Avec l'aimable autorisation des réseaux MTV masquer la légende

Cyndi Lauper, Mick Jagger, Pat Benatar et David Bowie sont quelques-uns des musiciens présentés dans la campagne "I Want My MTV" de 1982 de la chaîne.

Craig Marks et Rob Tannenbaum ont compilé une nouvelle histoire orale du réseau, Je veux mon MTV : l'histoire non censurée de la révolution du clip vidéo.

Tannenbaum raconte les week-ends sur Tout bien considéré l'animatrice Laura Sullivan que lorsque MTV a été lancé, les clips musicaux étaient presque inconnus.

« En fait, si vous aviez dit à quelqu'un en 1981 : 'Voulez-vous regarder un clip ?' la personne aurait dit : « Je ne sais pas de quoi vous parlez », parce que la phrase n'existait pas réellement. »

MTV a lutté au cours de ses premières années. Les câblo-opérateurs conservateurs ont souvent refusé de diffuser la chaîne.

"Ils pensaient que MTV était une bande de fous du rock and roll cokéfiés, et ils avaient raison d'une certaine manière", dit Marks.

La société n'était qu'à quelques mauvais mois de faire faillite, jusqu'à ce que plusieurs directeurs de publicité élaborent ce qui est devenu une campagne publicitaire légendaire mettant en vedette des rock stars criant « Je veux mon MTV !

"C'était vraiment le tournant, ça et Polar étaient les deux choses qui ont maintenu le réseau à flot », dit Marks.

L'histoire non censurée de la révolution du vidéoclip

par Craig Marks et Rob Tannenbaum

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Polar a causé une controverse à lily-white MTV. Le réseau a été critiqué pour son manque d'artistes noirs, mais les dirigeants craignaient que leurs téléspectateurs n'aiment tout simplement pas Michael Jackson. Ils ont changé de ton une fois que les notes sont arrivées.

"Ce n'étaient pas des idiots", dit Tannenbaum. "Une fois qu'ils ont vu les cotes augmenter, ils ont réalisé qu'ils pouvaient programmer des musiciens noirs."

Jackson a mené à Lionel Richie, Billy Ocean et d'autres musiciens noirs, bien que les dirigeants du réseau méfiant aient dû être à nouveau convaincus lorsque le rap est devenu populaire.

L'impact de MTV a été immense au cours des années 1980. Il a fait d'artistes comme Madonna et Guns N' Roses des stars. Mais si vous allumez MTV aujourd'hui, vous aurez du mal à trouver des vidéos. Le réseau a commencé à se retirer de la diffusion de vidéoclips en 1992, l'année où Marks et Tannenbaum ont choisi de mettre fin à leur livre.

"L'une des choses marquantes qui se sont produites cette année-là était que Bill Clinton était une présence constante sur MTV en 1990-91, et il a été élu président", a déclaré Tannenbaum.

« Une fois que vous aurez aidé à élire un président américain, allez-vous recommencer à regarder les vidéos de Winger ? » ajoute Marks.

Cette année-là a également marqué le début de la première émission de téléréalité, Le vrai monde, qui a eu un impact énorme sur l'industrie de la télévision.

"Il est très facile de tracer la ligne de Le vrai monde à Snooki ", dit Tannenbaum. " C'est une ligne alcoolique et tordue jusqu'ici, mais MTV s'est rapidement rendu compte et a appris que la télévision narrative, même la télé-réalité, était mieux notée que les clips musicaux. "

D'autres réseaux ont sauté dans le train de la téléréalité.

"Je pense Le vrai monde était le dernier point où MTV pouvait être considéré comme révolutionnaire », dit Tannenbaum.


La vidéo a tué la star de la radio

Selon CNET, MTV VJ Adam Curry a déclaré que MTV n'avait en fait jamais vraiment gagné beaucoup d'argent en diffusant des clips musicaux 24h/24 et 7j/7. Financièrement, même pendant la meilleure des périodes au milieu des années 80, MTV restait plus ou moins à flot. C'est-à-dire jusqu'à ce qu'il commence à introduire des jeux télévisés et à diversifier son réseau (même son premier jeu télévisé, "Remote Control", était extrêmement populaire par rapport aux clips vidéo). Les VJ ont joué le rôle de célébrités de la vidéo pré-YouTube et ont favorisé une culture qui essayait d'adapter la programmation à la base de visionnage de musique de MTV, tout en notant également que les gens qui regardaient des vidéos musicales n'allaient pas garder les lumières allumées pour toujours.

Sur cette note, comme expliqué dans Hornet, si MTV n'avait pas changé, elle serait devenue simplement connue sous le nom de "chaîne nostalgique". Toutes les choses, y compris la musique, ont changé, et MTV a donc tenté de ne pas devenir une vieille version calcifiée d'elle-même qui ressemblait à son public vieillissant. En fait, il y a un bon retour d'Internet contre les chasseurs de nostalgie qui se plaignent de la façon dont MTV a changé. De plus, toute la programmation non musicale très honnie de MTV lui a permis d'essayer de suivre les changements générationnels dans les goûts et les préférences.

Enfin, il n'y a tout simplement aucun moyen, en 2020, que MTV puisse rivaliser avec YouTube lorsqu'il s'agit de regarder des vidéos musicales. Si MTV avait lancé YouTube, les choses pourraient sembler différentes, mais dans l'état actuel des choses, MTV serait sage de laisser YouTube revendiquer son ancien rôle pour ceux qui veulent regarder des vidéos musicales toute la journée.


Le clip, avant la télévision musicale - HISTOIRE

1.) Produit - MTV, télévision musicale
2.) Technologie - Musique, vidéo
3.) Industrie - Musique
4.) Argent - abonnement à l'affichage par câble/satellite
5.) Loi/Gouvernement - Utilisation du câble/satellites
6.) Public-Marché de la musique/vidéo (grand marché cible).

Je conviens que les canaux de communication, tels que la télévision musicale (MTV), se concentrent presque entièrement sur la production vidéo et la publicité/les approbations de celle-ci. La qualité de la musique ne semble plus aussi importante que la nature excessive et l'utilisation écrasante de l'argent de l'équipe de production vidéo. Je pense que le changement dans l'industrie de la musique va mettre l'accent sur l'ensemble de l'expérience multimédia, la musique/la chanson réelle prenant le pas sur la vidéo. Pensez au moment où une chanson est jouée en arrière-plan pendant une scène d'un film ? Je pense que c'est ce qui s'en vient ?

Je suis également d'accord pour dire que MTV consacre une grande partie de son temps à la production vidéo. À quel point pensez-vous que le clip enlève à la chanson ? Pensez-vous, si ce n'est déjà fait, que les chansons n'auront plus d'importance et que la seule chose dont les gens se soucieront sera le clip ? De plus, que pensez-vous que cela va faire à la musique, ne sera-t-il pas reconnu par les gens en regardant un clip ou va-t-il simplement disparaître complètement ?


Qu'est-il arrivé à MTV ? Comment la station de musique a abandonné la pop pour une nouvelle réalité en 13 émissions

Cela fait plus de 35 ans que le monde de la musique et de la culture pop a changé à jamais avec les mots "dames et messieurs, rock and roll".

Aujourd'hui, il ne s'agit pas de musique &ndash Total des demandes en direct terminé après 20 ans à l'antenne en 2008 &ndash car nous avons maintenant des joyaux de la réalité comme Poisson-chat, Geordie Shore, juste un tatouage de nous et plus.

Mais comment sommes-nous arrivés de là à ici ?

À une époque où les vidéos sont un luxe coûteux et où l'on peut écouter de la musique gratuitement quand on veut, qui a besoin d'une chaîne vidéo ?

Au début des années 2000, le président de MTV de l'époque, Van Toeffler, a déclaré : « De toute évidence, la nouveauté de simplement montrer des clips vidéo s'est estompée. Cela nous a obligés à nous réinventer pour un public contemporain. »

Eh bien, il a certainement réussi à se réinventer et voici une chronologie des émissions les plus mémorables et les plus influentes du réseau, et un regard sur l'avenir de MTV.

1. Premier clip musical et ndash « Video Killed the Radio Star » (1981)

En août 1981, MTV a été lancée dans le New Jersey comme l'étincelle qui allait déclencher une révolution de la musique et de la télé et tout a commencé avec le grand succès des Buggles, "Video Killed The Radio Star". Il s'avère qu'ils avaient tort. La radio prospère et hellip

2. MTV débranché (1989)

De la fin des années 80 aux années 90, MTV s'est efforcé de nous rappeler qu'ils prenaient la musique au sérieux, et MTV débranché a donné aux fans de musique des moments de tuerie au fil des ans.

La performance de Nirvana en 1993 et ​​ndash qui a eu lieu peu de temps avant la mort tragique de Kurt Cobain et ndash vit dans la mémoire, tandis que de nombreux fans se souviendront de Bruce Springsteen choquant le réseau en abandonnant le format acoustique pour amener tout son groupe à s'amuser. Et qui pourrait oublier Eric Clapton définissant le spectacle avec son interprétation retravaillée de 'Layla' ?

3. Beavis et Butthead (1993)

Poster-Les Simpson, c'était l'une des premières séries animées à succès non destinées aux enfants, et elle a continué à inspirer des classiques du petit écran comme Parc du Sud. Les deux personnages stupides ont parlé à une génération au cours de sa première course de quatre ans, avant de revenir en 2011 pour plus.

D'accord, alors certains critiques ont attaqué le spectacle pour être un peu grossier. Et oui, la série a eu des ennuis pour avoir encouragé la pyromanie. Et, d'accord, oui, MTV a même dû lancer un avertissement pour expliquer que ce couple malheureux, juvénile et insouciant n'était pas destiné à être des modèles.

Mais peut-être que le monde serait un endroit plus heureux si nous avions tous un peu de Beavis et Butthead en nous.

4. Daria (1997)

A l'origine un spin-off de Beavis et Butthead, Daria était le dessin animé de toutes les filles intelligentes et intelligentes et il reste une pierre de touche parmi les jeunes féministes. Daria la co-créatrice Suzie Lewis a admis le mois dernier qu'elle aimerait ramener le personnage sec et intelligent.

Honnêtement, y a-t-il quelqu'un qui ne voudrait pas que cela se produise ? Cinq ans n'étaient tout simplement pas suffisants.

5. Berceaux (2000)

Berceaux MTV a marqué le tournant de la chaîne loin de la musique et vers la célébrité. Cela a donné aux fans un aperçu sans précédent de la vie des riches et des célébrités, des années avant que les émissions de téléréalité ne la banalisent. Nous serions collés à l'écran alors que tout le monde &ndash 50 Cent, Missy Elliot, Destiny's Child, Ashton Kutcher, Kanye West et plus &ndash nous laissaient entrer dans leurs maisons.

Les téléspectateurs ont eu un aperçu de la vie glamour des stars et l'ont adoré, qu'il s'agisse d'un regard vert sur les flottes de voitures dans les garages surdimensionnés, ou d'un clin d'œil effronté alors qu'ils nous montraient "où la magie opère".

Si jamais un épisode a défini la série, c'était Mariah Carey qui s'entraînait en talons aiguilles, sautait dans le bain avec une serviette, et même son assistante l'aidait à se changer alors qu'elle se promenait dans la maison.

6. Âne (2000)

Prenez un groupe d'amis et filmez-les en train de faire des bêtises. Parfois, c'est aussi simple que cela, bien que l'équipage ait certainement fait des farces et des cascades douloureuses à des longueurs scandaleuses au nom du divertissement. L'émission &ndash et les films et spin-offs ultérieurs &ndash ont fait de Johnny Knoxville, Steve-O, Bam Margera et Wee Man des noms bien connus.

7. Les Osbournes (2002-2005)

Le programme pionnier a suivi la légende de Black Sabbath Ozzy et sa famille vivant leur vie devant la caméra. C'était chaotique, c'était réel et ça a marché. Il a été créé il y a 15 ans et a établi la norme pour les émissions de téléréalité que les familles comme les Kardashian essaient toujours d'être à la hauteur.

Un moment décisif dans la culture des célébrités.

8. Pimp mon tour (2004-2007)

Yo, mec ! Qui n'a pas rêvé de participer à l'émission de Xzibit et de se faire équiper une voiture avec plus de bling que le tiroir à bijoux de 50 Cent ? Des platines, des lumières LED, même un porte-chaussures et personne n'avait besoin de ces choses dans leurs voitures, évidemment. Mais ce n'est vraiment pas le but et il s'agissait de voir une vieille banger transformée en la voiture des rêves de quelqu'un, vendant le rêve du style de vie de milliardaire.

9. Les collines (2006-2010)

Tu as Les collines &ndash et l'évolution continue de MTV vers la télé-réalité alors que les années 2000 avançaient &ndash pour remercier Speidi. Spencer Pratt et Heidi Montag sont devenus célèbres grâce au spin-off de Laguna Beach : le vrai comté d'Orange. Qui pourrait oublier le moment en larmes où Heidi et LC se sont finalement réconciliés, alors qu'ils réfléchissaient à leur amitié et semblaient enterrer la hache de guerre et l'enfer seulement pour que Lauren fasse une sortie émotionnelle? Non, tu n'en as toujours pas fini&hellip

10. Jersey Shore (2009-2012)

À la fin des années 2000, il était assez clair que les jours de Total des demandes en direct et des performances musicales envoûtantes avaient cédé la place à des stars de la réalité qui se saoulaient et nous faisaient hurler devant leurs singeries scandaleuses. Qu'il s'agisse des combats de Ron et Sammi ou des moments moins que géniales de Snooki, la célébration d'un comportement émeutier, sexuel ou autre, a marqué un changement très évident pour MTV, mais qui ne pouvait pas nous empêcher d'être captivé.

11. Geordie Rive (2011-présent)

MTV a commencé et MTV UK l'a suivi.

Il ne fallut pas longtemps pour que la côte du New Jersey soit échangée contre les délices du nord-est de l'Angleterre, avec Geordie Rive passer au petit écran et faire des stars comme Charlotte Crosby, Marnie Simpson et Gaz Beadle. Des rangées ivres, des escapades torrides et beaucoup de larmes et le spectacle a tout donné aux fans au cours des six dernières années.

12. Poisson-chat (2012-présent)

En tant que concept, l'émission &ndash qui s'est inspirée du film du même nom &ndash devrait être horrible : enquêter sur des cas bizarres de fraude d'identité en ligne. Montrant un côté parfois tragique de l'illusion humaine, cela a conduit à des moments déroutants et scandaleux, y compris un homme qui était en fait convaincu qu'il était dans une relation réelle avec la véritable Katy Perry.

Tout comme Internet avait jadis semblé sonner le glas de MTV, il a permis de revenir vers la pertinence.

13. Juste un tatouage de nous (2017)

Nom amusant mis à part, l'émission de Charlotte Crosby et Stephen Bear révèle l'extrémité de notre rapport à la célébrité. Feriez-vous déjà confiance à un ami, un membre de votre famille ou un partenaire pour concevoir votre nouvelle encre, sachant que vous n'avez rien à dire sur la conception, juste pour passer à la télévision ?

Bien, Juste un tatouage de nous est vraiment si simple et ridicule et c'est le cadeau qui continue d'être offert alors que les publications de Charlotte et Bear sur les réseaux sociaux TMI nous tiennent tous au courant de leur romance florissante. Ne change jamais.

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Lancé sur MTV en 1987, Headbangers Ball est le porte-drapeau des shows metal. Dommage que les bouffons de MTV n'aient pas su comment le traiter. La série n'a presque pas survécu à ses balbutiements avec son animateur non-métal Adam Curry. Riki Rachtmen a porté le spectacle au sommet de sa popularité entre 1990 et 1995 avec un format simple : jouer des vidéos de métal, peut-être interviewer un artiste en tournée de passage en ville. Annulé sur MTV en 1995 et ramené sur MTV2 en 2003, le réparable Jamie Jasta de Hatebreed est revenu pour les fonctions d'hébergement. L'émission a été diffusée à 23 h 00, minuit, 1 h 00, 3 h 00 et 4 h 00. Le bal est désormais uniquement sur le Web. Vraiment, à quel point est-il difficile pour un réseau appelé Music Television de lire des vidéos ?

En 1986, MTV a proposé le concept de 120 minutes, principalement des vidéos alternatives diffusées sur les stations de radio universitaires. Relégué aux dimanches tard dans la nuit, 120 Minutes a aidé la musique alternative à se répandre dans le grand public. Lorsque le grunge a éclaté, le spectacle était à la pointe du nouveau phénomène musical. À la fin des années 90, la pop avait regagné son trône et 120 Minutes était préempté par des rediffusions du monde réel. Comme pour toutes les émissions MTV non nourries, 120 Minutes a été annulée sans cérémonie en 2003 et s'est transformée en une émission encore plus maltraitée, Subterranean, qui a été diffusée à peu près au hasard au milieu de la nuit. L'année dernière, 120 Minutes renaît avec le retour du dictionnaire de musique humaine Matt Pinfield à la barre.

Quelle émission as-tu regardé ? Faites-le nous savoir dans les commentaires et nous pourrions l'ajouter à notre…


Les plus grands succès et chansons marquantes :

  • Né pour courir (écouter)
  • Cœur affamé (écouter)
  • Danser dans le noir (écouter)
  • Né aux USA (écouter)
  • Couvre-moi (écoute)
  • Je suis en feu (écoute)
  • Jours de gloire (écouter)
  • Je vais en bas (écoute)
  • Ma ville natale (écouter)
  • Guerre
  • Déguisement brillant (écouter)
  • Tunnel de l'amour (écouter)
  • Rues de Philadelphie (écouter)

6. Phil Collins

Né : 30 janvier 1951 à Chiswick, Grand Londres, Angleterre

L'ancien batteur du groupe anglais populaire Genesis est devenu le chanteur principal après que Peter Gabriel a quitté le groupe au milieu des années 1970 pour poursuivre sa propre carrière solo couronnée de succès. Depuis lors, Genesis a fait la transition en tant que groupe de rock progressif vers un groupe pop plus adapté à la radio en publiant des albums à succès tels que Duke, Abacab, Genesis et Invisible Touch. Alors que Genesis effectuait la transition, Collins avait également développé ses capacités de chant et d'écriture et a établi une carrière solo au début des années 1980. Il a atteint l'apogée du succès peu de temps après, marquant des succès tels que "Vous pouvez presser l'amour", "Against All Odds", "One More Night", "Un genre de Groovy". Amour, et 'Another Day in Paradise'. Il a réussi à maintenir sa propre carrière solo et en tant que membre de Genesis malgré l'évolution de la composition du groupe jusqu'à ce qu'il se couche au début des années 2010. 8217 ventes totales de disques dans le monde en tant qu'artiste solo s'élèvent à environ 150 millions.


Comment les médias sociaux tuent l'industrie de la musique

Les médias sociaux ont complètement changé la façon dont nous interagissons les uns avec les autres. Nous sommes tous connectés de tant de manières différentes qui n'étaient jamais possibles auparavant. L'objectif principal des médias sociaux était principalement d'affecter nos vies personnelles. Bien sûr, au fil du temps, à mesure que la technologie évoluait, les médias sociaux se sont développés. La socialisation, la confidentialité, la politique, les entreprises, la productivité et même l'industrie de la musique sont tous affectés par les médias sociaux. Internet a complètement changé l'industrie de la musique telle que nous la connaissions autrefois. Avant que la technologie et les médias sociaux n'entrent en jeu, la scène musicale était un endroit très différent.

Il y a des années, avant Apple Music et Spotify, les consommateurs de musique devaient beaucoup compter sur les CD, les cassettes, les disques, les palmarès, les journaux et la radio pour accéder à la musique. Aujourd'hui, cette scène est bien différente. Avec la puissance des médias sociaux et d'Internet, littéralement dans la paume de nos mains à tout moment, nous pouvons accéder à la musique en quelques secondes. Les téléchargements de musique numérique ont remplacé l'achat d'albums physiques, les vidéos musicales sur YouTube ont remplacé la télévision musicale telle que MTV et les sites de médias sociaux, comme Instagram et Twitter, et les sujets d'actualité ont remplacé les maisons de disques devant créer la renommée d'un musicien. Tout comme Internet nous a donné YouTube, des téléchargements numériques et des sujets d'actualité mondiaux, il nous a également offert le plus grand engouement musical : le streaming.

Alors que la musique passait d'une entreprise basée sur les produits à une entreprise basée sur les services, personne n'était vraiment en mesure de créer quelque chose qui aiderait à soutenir cette transition de manière adéquate. Avec le streaming et les médias sociaux, l'industrie de la musique perd son pouvoir sur les artistes et les musiciens. « Les plateformes de médias sociaux ont donné aux musiciens plus de contrôle sur la distribution de leur musique et à travers l'utilisation des services. De nombreux artistes ont maintenant la possibilité de contourner complètement les conventions de l'industrie ».

Dans la vidéo ci-dessus, nous pouvons mieux comprendre l'impact de la technologie sur l'industrie de la musique. Dernièrement, le côté commercial de l'industrie de la musique a eu du mal à générer suffisamment de revenus en raison des médias sociaux et de la technologie. Internet a rendu beaucoup plus facile l'accès à la musique à moindre coût, mais il a été beaucoup plus difficile pour les artistes de gagner une somme d'argent décente à partir des seules ventes. Ce problème a conduit les artistes à gagner la majorité de leur argent en faisant des tournées et en faisant du merchandising, car les maisons de disques et les ventes de disques à elles seules diminuent considérablement en raison de la nouvelle ère numérique.

Pendant des années, toute la musique a été produite par plusieurs grands labels, dont Sony, MCA, Universal, RCA et Warner Bros. Ces labels contrôlaient non seulement le marché, mais contrôlaient également la manière dont leur musique était promue auprès des auditeurs. Pour la plupart, tout le monde vient d'acheter des disques dans les magasins de musique locaux ou d'appeler les stations de radio locales pour demander à entendre leurs chansons préférées.

Aujourd'hui, il y a moins de grandes maisons de disques et une abondance d'indépendants, chacun s'efforçant de promouvoir ses artistes auprès d'une pléthore de consommateurs. Les CD et les disques sont toujours vendus et les gens les achètent rarement de cette façon, car la plupart d'entre nous téléchargent de la musique sur nos téléphones, applications ou écoutent gratuitement sur YouTube.

L'accès à la plupart des musiques étant gratuit ou presque gratuit, comment un label survit-il ? Selon Jeremy Wineberg, propriétaire d'Opus Label, « cela se résume souvent à l'argent que vous avez derrière vous. Les grands labels ont l'argent et la machine marketing pour amener leurs artistes sur le marché. Les labels indépendants s'appuient fortement sur le bouche à oreille via les réseaux sociaux ».

Vous trouverez ci-dessus quelques conseils pour les musiciens et les artistes qui sont sur les réseaux sociaux.

L'industrie de la musique est en constante évolution en raison de l'énorme influence des médias sociaux et de la technologie. Toutes les stratégies que les musiciens peuvent utiliser pour aider à faire connaître leur travail ou pour rester pertinents changeront encore et encore.

Un conseil énorme et important pour les artistes et les musiciens d'aujourd'hui est d'être au courant des plateformes de médias sociaux et de les utiliser à votre avantage. Ne les négligez pas car ces plateformes sont très importantes dans l'industrie aujourd'hui.

Dans cette vidéo, j'ai posé à quelques étudiants du College of DuPage des questions qui aident à comprendre où se situe la musique dans la société aujourd'hui. Ces 4 étudiants étaient tous âgés de 18 à 21 ans. D'après la plupart des réponses, nous pouvons comprendre que tout le monde diffuse de la musique en streaming et que le nombre de personnes achetant de la musique, physiquement ou numériquement, a considérablement diminué. Aucun de ces 4 étudiants ne pouvait en fait nommer 3 maisons de disques différentes, ce qui peut impliquer qu'ils n'achètent pas ou n'achètent pas d'albums complets ou qu'ils ne sachent pas où les artistes/musiciens sont également signés. Ce qui peut indiquer que le contrat d'enregistrement et les labels ne contrôlent pas l'artiste. Les médias sociaux semblent être l'endroit numéro un où les gens découvrent de la nouvelle musique, trouvent de nouveaux artistes, voient de la musique annoncée et accèdent à la musique.

Le mème ci-dessus montre à quel point la musique d'aujourd'hui diffère de celle d'il y a quelques années. Désormais, nous accédons tous à la musique sur nos ordinateurs, téléphones et autres appareils intelligents.

Dans l'infographie ci-dessus, nous pouvons voir par les statistiques que la musique numérique est en effet gagnante. Il y a plus d'abonnés aux services de streaming musical qu'à Netflix. Chaque année, ce service ne cesse de croître et de se développer et de changer l'industrie de plus en plus. Ce changement est bénéfique à bien des égards pour les consommateurs et les entreprises, mais il peut également ne pas être bénéfique pour de nombreux artistes.

Le gif ci-dessus est quelque chose que de nombreux streamers de musique peuvent également comprendre. Surtout si vous payez pour plusieurs services de streaming musical. Au moins, les coûts sont bon marché de n'importe où aussi bas que 5 à 10 $ par mois.

Dans cet épisode de la station de médias sociaux de Savannah, j'ai parlé avec Joy Hamilton, essentiellement de la musique et des médias sociaux. Elle est diplômée du Columbia College du centre-ville de Chicago. Elle travaille actuellement sur les plateaux de nombreuses émissions de télévision et films qui sont tournés dans la région de Chicagoland. Bien que la production télévisée soit son objectif principal, elle fait sa propre musique et passe beaucoup de son temps libre en studio à écrire et enregistrer. Nous avons discuté de la façon dont elle avait l'habitude de faire connaître sa musique dans le monde et de la façon dont elle pense qu'elle a changé aujourd'hui. "Tout est tellement différent" - Joy

Le streaming est la principale source des énormes changements dans l'industrie de la musique. Le streaming tue l'industrie de la musique et prend le dessus. Bien que le streaming soit très efficace à bien des égards, bon marché, rapide d'accès, très varié, il peut également être très inefficace, en particulier pour les artistes eux-mêmes. Dans la vidéo ci-dessus, il explique comment le streaming « secoue » l'industrie de la musique et comment nous avons vu ces changements se produire pour le meilleur et pour le pire.

Les réseaux sociaux ont eu un impact énorme sur la musique. En utilisant les médias sociaux, les musiciens ont la possibilité de contacter directement leurs fans, ce qui contribue à créer une communauté plus étroite avec eux. Avec les révolutions des options d'achat de musique numérique et du streaming, les fans ont désormais de nombreuses façons différentes de consommer de la musique de la manière spécifique qu'ils souhaitent.

Cependant, les médias sociaux ont également apporté de nombreux changements dans la musique qui ne sont pas si bénéfiques pour les musiciens. Puisque les artistes doivent se vendre, ils doivent maintenant se soucier non seulement de la musique qu'ils créent, mais aussi de la façon dont ils peuvent vendre cette musique aux fans. Ce n'est pas comme avant quand l'artiste peut juste créer du bon art. Désormais, les musiciens doivent également savoir comment amener efficacement les gens à prêter attention à leur travail. Avec autant de musiciens et d'artistes, cela peut devenir difficile.

Les médias sociaux ont tellement changé au fil du temps, en particulier dans l'industrie de la musique. Il a apporté d'énormes améliorations dans certains domaines, mais pas dans tous. La meilleure façon d'examiner ces changements, améliorations ou conséquences est d'en embrasser les aspects positifs tout en essayant vraiment de trouver des moyens de surmonter ou de gérer les aspects négatifs.


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